Arctic Monkeys - Explanada Estadio Azteca

Por Bling

Los Arctic tienen una historia meteórica, la que cualquier grupo que comienza soñaría. Saliendo desde sus raíces urbanas conquistaron a medio mundo con su actitud irreverente frente a todo lo que representara ajustarse medianamente a los lineamientos del sistema.

Su gran pericia musical a pesar de su corta edad, la austeridad pero explosivas presentaciones en vivo entre otras cosas, hicieron que llevaran al género indie a los más altos niveles. El día de ayer en la Ciudad de México, fueron víctimas de su propia causa.

Tan libres de y dueños de sí mismos, la banda de Sheffield afirma que ya se aburrieron de tocar algunas canciones de sus dos primeros discos. Por lo que piezas fundamentales de pasadas presentaciones como Mardy Bum, Fake Tales of San Francisco, Dancing Shoes y Teddy Picker ya desaparecieron del setlist.

Parte de su escencia, es la austeridad en todos sentidos, incluido por supuesto, el escenario. Para colmo sus canciones son muy cortas, por lo que sus presentaciones duran menos que el promedio de cualquier concierto de este tipo, y más si deciden tocar tan sólo 17 rolas.

Es una realidad que la organización fue un verdadero desastre y que todos debemos volcar nuestro coraje hacia la empresa Ache Producciones para que no vuelvan a pasar errores tan grandes con eventos tan esperados como éste. Y aunque esto exculpe en buena parte a la banda, de igual forma lanzaría una pregunta obligada... ¿Cuánto hicieron los Arctic Monkeys para rescatar la presentación frente a la caótica situación?

Además de agradecer en mal español por la paciencia, ¿con cuántas canciones de más compensaron? Ellos sabían perfectamente cómo estaban las cosas al salir al escenario, gente molesta por las horas de retraso y por no ubicarse en la sección donde compraron boleto, ¿Cuántos minutos de más dieron para rescatar la mala pasada de la gente?

La respuesta es sencilla, no dieron absolutamente nada de más. El grupo se limitó a tocar menos de hora y media, como siempre lo hace. Y a tocar las mismas canciones, que ha venido tocando en toda su última gira.

Tal vez y aunque seguramente no les importe, haga falta decirles a los chavos de Sheffield, que por lo menos ayer, no sólo bastó con ser "Arctic Monkeys" para conquistar al público mexicano.


El Setlist completo fue:

1. Dance Little Liar
2. Brianstorm
3. This House Is A Circus
4. Still Take You Home
5. Potion Approaching
6. My Propeller
7. Crying Lightning
8. The View From The Afternoon
9. I Bet That You Look Good On The Dancefloor
10. Cornerstone
11. When The Sun Goes Down
12. Do Me a Favour
13. Pretty Visitors
14. Red Right Hand (Nick Cave cover)
15. If You Were There, Beware
16. Encore:
16. Fluorescent Adolescent
17. 505

Kasabian - West Ryder Pauper Lunatic Asylum

Por Bling

En mayo del 2004 se lanzó una canción que fusionaba sonidos rock y música electrónica con una fuerte influencia de grupos como Primal Scream y Happy Mondays. La grabación llegó a oídos de Noel Gallagher, quien al adentrarse un poco más con el sencillo, le pidió a esa banda que abriera la gira de Oasis por Estados Unidos, motivo que generó que el grupo rápidamente alcanzara un status de grandes dimensiones para ser debutantes.

Hablo de Kasabian y su sencillo “Club Foot”, sin duda una de las canciones más poderosas de la década. El disco homónimo trascendió con sencillos como “Proccesed Beats”, “Reason is Treason”, “Cut Off” y el ahora himno favorito de los grandes festivales musicales “L.S.F. (Lost Souls Forever)”.

Después de la exitosa entrada del grupo de Leicester, llegaba la hora de la prueba de fuego con el segundo álbum. En el 2006 llegó “Empire”, disco que si bien no contenía la fuerza de los sencillos anteriores, Kasabian no sólo retomaba ese camino natural donde los grupos maduran y ofrecen mayor calidad interpretativa, sino que arriesgaron la ruta experimentando con sonidos psicodélicos.

Sin embargo y a pesar de que contiene excelentes canciones como “Empire” “Shoot The Runner” y “Me Plus One”, también es cierto que el disco a la mitad se pierde un poco y aunque se ve beneficiado en el cierre con uno de sus mejores tracks en “The Doberman”, es cierto que no es un álbum del todo redondo. Además, el sonido se cargó demasiado a la parte electrónica, pareciendo en ocasiones más una mezcla de DJ que una banda de rock.

Para su tercer disco, vivieron un extenso proceso que se prolongó por tres años, entre las decisiones más fuertes fue la cambiar de productor, por eso reclutaron a Dan “The Automator” Nakamura, quien fuera el genio musical junto con Damon Albarn en el primer álbum de Gorillaz.

Con ese preámbulo llegó a mediados del 2009 “West Ryder Pauper Lunatic Asylum”, una joya psicodélica que aleja las dudas sobre si el chispazo de su inspiración y talento, llegó sólo en su etapa inicial.

El álbum fusiona lo que sus antecesores hicieran por separado, por un lado tener explosivas y exitosas canciones tipo estadio como “Fast Fuse”, “Fire” y “Vlad The Impaler”, y por otro la muestra musical del virtuosismo avant garde como en el gospel de “Happiness”, los alucinantes coros de la actriz Rosario Dawson en “West Rider Silver Bullet” o la cuasi folklórica “Thick as Thieves”.

Ante un año bastante empobrecido en cuanto a lanzamientos musicales importantes, el tercer disco de Kasabian está llamado a ser uno de los tres mejores álbums del año y se perfila como el favorito para los grandes premios musicales. Y ya empezó, “West Ryder Pauper Lunatic Asylum” aparece entre los nominados para llevarse el prestigiado Mercury Award del próximo año. Según la reviste NME, son los favoritos para obtenerlo.

Los siguientes meses serán de consolidación para esta banda que ya le debe una visita a México.

Bloc Party – Alameda Santa Fe

Por Bling

Todavía se puede creer en lo impensable, un grupo de buen nivel como Bloc Party se presenta gratis en la Ciudad de México, sí, así como se escucha, no hubo mayor chanchullo ni trampa de por medio. Ni siquiera a la mayoría de los asistentes se les pidieron los boletos, en un principio necesarios para poder accesar.

Claro, de por medio está un patrocino de una gran marca como NOKIA, pero además de aguantar un anuncio de celular en repetidas ocasiones antes de que saliera el grupo, realmente no hubo mayor sacrificio.

Nunca supe cuál fue el criterio para dividir las secciones, supongo que debió ser la hora de llegada. Había tres, cada una separada por una reja bastante fácil de burlar, con nadie de seguridad al tanto, es una suerte que la mayoría de las personas respetaran la sección que se les designó y de esta forma no armar un alboroto.

El grupo londinense ofreció una buena presentación, donde el escenario sirvió para compensar la irremediable pasividad de la gente que dejó su pasada presentación en nuestro país, donde el Auditorio Nacional corroboró que no es de ninguna forma un buen escenario para conciertos de rock. Pero en ese sentido, la Alameda Santa Fe tiene también sus puntos flojos, ya que en los momentos más prendidos y cuando todos saltan, la fumarola de tierra se vuelve insoportable, después de todo es pasto con terracería.

Enfundado en su jersey de Clinton Portis, el vocalista Kele Okereke fue la figura más ovacionada, durante la presentación se dio tiempo para hablar en español y bajar a saludar a los fans de las primeras filas. La interpretación y el sonido estuvieron a la altura, y el baterista merece mención aparte sobre los otros músicos del grupo, es excelente.

Es cierto que su tercera producción “Intimacy” transmite una gran energía para bailar, ya que es un disco muy influenciado por la música electrónica y la cultura rave, sin embargo se extrañan los éxitos que han marcado al grupo, como “Banquet” y “Helicopter”. Con esto se hace cada vez más evidente la necesidad de que en su nueva producción, Bloc Party regrese a las raíces que lo elevaron como uno de los mejores debuts de música Indie de la década con su disco “Silent Alarm”. Esto representaría distanciarse un poco de la parte experimental, pero serviría para no alejarlos más de los charts y del gusto del público en general.


El Setlist completo fue:

Halo
Trojan Horse
Hunting For Witches
Positive Tension
Signs
Waiting For The 7.18
Song For Clay (Disappear Here)
Banquet
Blue Light
Uniform
Mercury
So Here We Are
The Prayer
Helicopter

Encore:
Price Of Gas
Ares
Flux
This Modern Love

Radiohead - Foro Sol

Por Bling

¿Fue mejor el setlist del domingo o el del lunes? El del lunes para fans y el del domingo más comercial ¿o sería al revés? Después de todo el domingo tuvo Creep ¿no? Y por cierto, tocar esa canción después de unos años de no hacerlo ¿fue algo positivo o todo lo contrario?

Cuando un evento genera tanta expectativa a su alrededor, tantas interrogantes y opiniones diversas deben de arrojar una verdad absoluta: el pasado 15 y 16 de marzo estuvimos ante uno de los eventos musicales más importantes de la década en nuestro país.

Después de 15 años de espera, Radiohead se presentó en el Foro Sol, promocionando su más reciente producción, el controversial In Rainbows, disco que le valiera un Grammy a mejor álbum alternativo del año.

En general fue una presentación donde predominó la admiración que deja boquiabierto, sobre el ambiente enérgico de un concierto de rock. La interpretación junto con la iluminación de ese gran escenario, contribuyeron a crear una atmósfera cósmica digna de un concierto de Pink Floyd, sin embargo, ese error en Exit music empañó la excelente ejecución con la que venían interpretando.

Posiblemente Radiohead nunca regrese a nuestro país, pero por lo menos ya dejó saldada una cuenta con los mexicanos que parecía destinada a no cumplirse.

El Setlist del lunes fue:

01 15 Step
02 There There
03 The National Anthem
04 All I Need
05 Kid A
06 Karma Police
07 Nude
08 Weird Fishes/Arpeggi
09 The Gloaming
10 Talk Show Host
11 Videotape
12 You and Whose Army?
13 Jigsaw Falling Into Place
14 Idioteque
15 Climbing Up The Walls
16 Exit Music (For a Film)
17 Bodysnatchers

First Encore
18 How to Disappear Completely
19 Paranoid Android
20 Dollars and Cents
21 The Bends
22 Everything In Its Right Place

Second Encore
23 Like Spinning Plates
24 Reckoner
25 Creep

Keane - Palacio de los Deportes

Por Bling

La extraña fascinación que Keane tiene hacia México, se ha convertido en un buen motor para que su popularidad no descienda a pesar de que las ventas de su último disco (el tercero de su carrera) sean las más bajas en su trayectoria, al contrario, en cada visita han tocado en un escenario de mayor capacidad.

En esta ocasión le tocó el turno al Palacio de los Deportes, que pese a que no se llenó en su totalidad, registró la mayor asistencia a una presentación del trío proveniente de Battle en nuestro país, alrededor de 15,000 personas.

Keane mostró de diversas formas esas pequeñas diferencias que lo hacen un grupo especial cuando se encuentra en este país: En primer lugar el escenario, la mayoría de los grupos que se presentan en dicho recinto suelen hacer gala de la simplicidad y hasta indiferencia para montar un escenario similar al que presentan en otros lugares, Keane presentó el mismo, con una pantalla gigante, una estupenda iluminación y en general con una decoración especial alusiva al disco a promocionar, Perfect Symmetry.

Otro elemento es el cada vez mejor español de Tom Chaplin, el cual practicó durante todo la presentación al dirigirse constantemente al público. También destacable la canción Under Pressure dentro del setlist, aquella rola que hiciera famosa Queen en los 80’s y cuya presentación según el mismo Chaplin, se convirtió en una sorpresa especial para los mexicanos.

El repertorio contó con canciones de sus tres producciones, siendo las más ovacionadas: This is The Last Time, Everybody’s Changing, Spiralling, Crystal Ball, Is It Any Wonder? y por supuesto Somewhere Only We Know

La apariencia de Keane como un grupo mucho más orientado al pop que al rock, quedó en duda cuando el Palacio de los Deportes vivió un explosivo espectáculo, gracias a la energía y entrega de la banda, así como al público que supo responder en cada momento a lo largo de la presentación.


El setlist completo fue:

The Lover Are Losing
Everybody’s Changing
Bend And Break
Nothing In My Way
Again And Again
A Bad Dream
This Is The Last Time
Spiralling

Playing Along
Try Again
Early Winter

You Haven’t Told Me Anything
Leaving So Soon?
You Don’t See Me
Perfect Symmetry
Somewhere Only We Know
Crystal Ball

Under Pressure
Is It Any Wonder?
Bedshaped

Oasis - Palacio de los Deportes

Por Bling

La autenticidad ha sido un elemento importante a la hora de definir a Oasis. Con el paso del tiempo han demostrado que hay cosas que simplemente no van a cambiar, por eso a diferencia su primer visita a nuestro país hace 10 años, ya no se escuchan quejas sobre el prácticamente nulo desenvolvimiento de Liam en el escenario o la escasa interacción con el público de cualquiera de los otros integrantes. Ahora, en su cuarta presentación en el Palacio de los Deportes, la gente sabe perfectamente a lo que va y lo que los Gallagher ofrecen en el escenario.

Sobre el setlist pasa algo similar, para alguien que medianamente se afane de conocer al grupo de Manchester, sabrá que la mayor parte de la trascendencia en su carrera se debe a sus dos primeros discos, aunque esto no sea un secreto, también es una exageración la percepción que ellos mismos se dan. Parecería una especie de autocastigo impuesto desde hace ya varios años, el hecho de no interpretar en vivo favoritas de la gente como Stand By Me, Don't Go Away, Stop Crying You're Heart Out y Little by Little por mencionar algunas.

Dicho de otra forma, de su tercer, cuarto y quinto disco interpretan una sola canción (Songbird), esto suena escandaloso. Finalmente el orgullo regresó con el sexto álbum para aportar nuevos tracks en el setlist con Lyla, The Importance Of Being Idle con muy buena recepción, y en menor medida Meaning Of Soul.

Este tipo de aceptación para los shows en vivo, no se ha presentado con las canciones de su séptima y ultima producción (Dig Out Your Soul), la cual a pesar de ser un gran trabajo a nivel musical; su innovación y sentido experimental lo hicieron poco accesible para las grandes masas. Por eso canciones como Falling Down, To Be Where's There Life y Waiting For The Rapture no recibieron mucha respuesta a pesar de su gran calidad. Quizás solo la balada de Liam I'm Outta Time, se podría destacar en este sentido.

Asegurando el éxito de la noche, estuvieron como siempre presentes las infalibles: Wonderwall, Don't Look Back In Anger, The Masterplan y Champagne Supernova.

Para cerrar, el cover beatle de I Am The Walrus, que sonó mucho mejor que hace 10 anos en el mismo escenario, prueba de que Oasis es uno de los pocos actos de rock contemporáneo que pese al tiempo, han podido mantenerse en gran forma. Y que la música como en un principio, siempre ha hablado y hablará por sí sola.



El setlist completo fue

Rock N Roll Star
Lyla
The Shock Of The Lightning
Cigarettes And Alcohol
Meaning Of Soul
To Be Where There's Life
Waiting For The Rapture
The Masterplan
Songbird
Slide Away
Morning Glory
Ain't Got Nothing
The Importance Of Being Idle
I`m Outta Time
Wonderwall
Supersonic

Encore:
Don't Look Back In Anger
Falling Down
Champagne Supernova
I Am The Walrus

R.E.M. - Auditorio Nacional

Por Bling

Para muchos sería ilógico afirmar que a sus casi 30 años como banda, R.E.M. conserva un espíritu rejuvenecedor en su entorno, a pesar de la cada vez más decadente apariencia de Peter Buck, así como el promedio de edad de los asistentes a su concierto en el Auditorio Nacional.

Este espíritu mencionado, recae prácticamente al cien por ciento en Michael Stipe, cuya vitalidad en el escenario, gran carisma, así como su siempre presente activismo político, siguen intactos para mantener vigente a la agrupación de Georgia.

El grupo decidió cerrar su gira mundial en nuestro país, la cual abarcó diferentes ciudades de todo el mundo a lo largo del 2008. Por esta razón, un emocionado Stipe explicó a los presentes que tocarían más de lo normal, ya que no volverían a hacerlo durante un buen tiempo. Efectivamente, el concierto se prolongó dos horas, donde se interpretaron un total de 26 canciones. Cantidad mayor a la de sus presentaciones previas.

El frío de la ciudad se sintió en el ambiente, el cual gradualmente fue cambiando cuando llegaron las canciones más conocidas. Temas como The One I Love, Everybody Hurts, Imitation of Life, The Great Beyond, Losing My Religion, It’s The End Of The World As We Know It y Man on the Moon fueron los más ovacionados.

Mención aparte merece la magistral interpretación de Let Me In, donde el grupo y sus músicos formaron un círculo para interpretarla, la canción se escuchó mejor que nunca sin el arreglo estridente de la versión original de estudio.

Es evidente la dificultad que esta banda ha tenido en los últimos años para hacerse presente con las nuevas generaciones, como lo hicieran otros de sus contemporáneos como U2 o Depeche Mode, sin embargo, R.E.M. sigue presente en la escena musical con producciones aceptables como su último disco (Accelerate 2008) y un tour de gran calidad que recorrió 32 países a lo largo de nueve meses.

El Setlist de la noche fue:

Living Well Is the Best Revenge
I Took Your Name
What's The Frequency, Kenneth?
Fall On Me
Drive
Man-Sized Wreath
Ignoreland
Disturbance At Heron House
Hollow Man
Imitation Of Life
Electrolite
The Great Beyond
Everybody Hurts
The One I Love
Find The River
Let Me In
Bad Day
Horse To Water
Orange Crush
It's The End Of The World As We Know It (And I Feel Fine)

Encore:
Supernatural Superserious
Losing My Religion
I Believe
Country Feedback
Life And How To Live It
Man On The Moon

The Last Shadow Puppets – The Age of the Understatement

Por Bling

Me gustaría conocer el nivel real de participación de Miles Kane en la autoria y composición de los temas de este disco.

Es difícil saberlo, por lo que un buen parámetro para tener cierta idea, es el debut del grupo The Rascals, donde Kane funge como vocalista y en el cual obviamente no contó con su contraparte en este proyecto.

Si tomamos esto como referencia, y considerando que el citado debut pasó bastante desapercibido desde su entreno en junio pasado, se comprabaría que tenemos uno más de tantos ejemplos representativos de este naciente fenómeno social, donde las personas de cada vez menor edad pueden alcanzar altos grados de trascendencia en diferentes ámbitos.

En este caso, en el musical, tenemos al líder uno de los grupos más aclamados de los últimos años, escritor sumamente prolífico y ganador con su banda (Arctic Monkeys) de infinidad de premios, con todas estas cartas su edad es ni más ni menos que 22 años y se llama Alex Turner. Y junto con el ya mencionado Miles Kane forman un proyecto llamado The Last Shadow Puppets.

Esta dupla se complementa con uno de los productores más reconocidos en la actualidad, James Ford (Klaxons), quien además de encargarse de la producción toca la bateria y otros instrumentos.

The Age of the Understament es el nombre de este arriesgado lanzamiento, que presenta una gran variedad de estilos, con influencias principalmente sesenteras, en gran parte porque se cantan la mayoría de las canciones a dos voces, recordando a los Hollies, y por supuesto a los Beatles. Estas referencias están sumamente presentes en la excelente “Standing Next to Me” y en “Meeting place”.

Pero a pesar de tener grandes arreglos orquestales a lo Phil Spector, el álbum no deja a un lado la frescura y energía de influencias más modernas, como de los mismos Arctic Monkeys tal y como se plasma con la canción del primer sencillo y que le da el nombre al disco “The Age of the Understatement”, así como la presencia de The Coral en “Separate and Ever Eeadly”.

Pese a todo lo anterior el disco no es tan redondo como para otorgarle un grado de excelencia y encuentra sus puntos mas bajos en canciones como “I don't like you anymore” y “Only the truth”.

El futuro de este proyecto es incierto, ya que ambos miembros fundadores regresan a sus respectivas bandas originales. Pero por lo pronto puedo decir, sin temor a equivocarme, que la gran revelación musical de este 2008, se llama The Last Shadow Puppets.

The Verve - Forth

Por Bling

Sin duda uno de los sucesos musicales más comentados en este año ha sido el regreso a los escenarios del grupo originario de Wigan Inglaterra, The Verve.

Y no es para menos, tomando en cuenta los años de ausencia, así como el hecho de que su último disco, "Urban Hyms" de 1997 se convirtiera en uno de los mejores álbums de la década pasada.

En ese lapso, Richard Ashcroft consolidó su carrera como solista con tres aceptables producciones, especialmente la primera, "Alone With Everybody" del 2000. También demostró que la canción "Bitter Sweet Symphony" que interpretó junto con Coldplay en el Live 8 en julio del 2005, sigue tan vigente como cuando se escuchó por primera vez hace ya más de 10 años.

La reunión empezó a tomar forma cuando The Verve confirmó su presencia como headliners de prestigiosos festivales como Glastonbury, T in the Park y Coachella entre otros. Para ese entonces se hablaba de que el regreso de la banda venía también con su cuarto álbum de estudio.

Forth se lanzó el 25 de agosto en el Reino Unido, y contiene 10 temas nuevos escritos por la banda, incluido el primer sencillo "Love is Noise", canción que mantiene más influencia musical de Ashcroft como solista que la que tuviera The Verve en el pasado.

Sus presentaciones en términos generales han sido bastante bien recibidas, el disco sin embargo, no es lo que muchos esperábamos.

El álbum abre con la excelente Sit and Wonder, que dejando de lado el sencillo mencionado, es por mucho la mejor canción en este nueva producción. Dentro de la primera parte de canciones, Judas también es destacable.

Sin embargo, para la segunda sección, “Forth” da un cambio sustancial y retoma ese sonido neo psicodélico logrado en su primera producción “A Storm in Heaven” tan alabado por la crítica pero tan poco recibido por las grandes audiencias. Las canciones son muy largas, y en ocasiones se asimilan a la versión gratuita que se liberó por Internet antes del lanzamiento del disco, donde el grupo mantiene una sesión de ensayo, sin tocar alguna rola en específico. Este sonido se hace evidente en canciones como "I See Houses", "Columbo" y "Appalachian Springs".

En términos musicales The Verve demuestra el gran jerarquía que vienen cargando de años, así como la gran química que los integrantes tienen, pero los aleja del estatus de súper estrellas que lograran en los 90's.

En entrevista reciente, Ashcroft mencionó que los problemas internos siguen haciendo mella en la banda. Ojalá que antes de la enésima separación, tengamos la oportunidad de verlos en vivo.

Muse - Auditorio Telmex, Guadalajara

Por Bling

Muse decidió realizar una serie de presentaciones por aquí y por allá sin tener una gira mundial establecida, uno de los lugares seleccionados fue el Auditorio Telmex de Guadalajara, el cual se convirtió en el escenario idóneo para volver a presentar al trío de Devon en nuestro país, después de su actuación hace un año en la Ciudad de México y recientemente en Monterrey.

Sin promocionar un álbum en particular, la selección de canciones prácticamente abarcó toda su discografía y presentó temas poco habituales como Space Dementia y Dead Star. El público tapatío respondió con gran fuerza a la energía que derrochó el grupo en el escenario.

La tocada cerró con Knights of Cydonia, la cual se ha venido a convertir en uno de los sellos distintivos del grupo, así como una de las muestras más emotivas e intensas de rock en vivo que se recuerden en los últimos años.

El setlist de la noche fue…

Map of the Problematique

Supermassive Black Holes
Dead Star

New Born

Butterflies and Hurricanes

City of Delusion

Space Dementia

Feeling Good

Hysteria

Starlight

Time Is Running Out

Stockholm Syndrome

Soldier's Poem

Invincible

Plug In Baby
Knights of Cydonia

Coldplay - Viva La Vida Or Death And All His Friends (2008)

Por Bling

No había escuchado desde hace tiempo una canción de Coldplay que me remontara a la profundidad y melancolía de su primer disco, el inicio de “42” lo logró, sin embargo la canción tiene un giro drástico, cuando la voz de Martin vuelve a entrar después de la parte instrumental se transforma en una canción sumamente comercial, muy a lo Elton John de los 80’s, el contraste es tan marcado que en buena medida echa a perder la canción.

“42” podría ser un buen ejemplo de la disyuntiva que viene ocurriendo con Coldplay desde hace un rato y que se hace más patente con el lanzamiento de su última producción. Por un lado está la banda que intenta mostrarse como innovadora, experimentado con cualquier cantidad de instrumentos, todo ello comandado por el súper productor Brian Eno, plasmando referencias de gran arrogancia cultural como su portada con la pintura “La libertad guiando al pueblo” de Eugene Lacroix y el título Viva la Vida inspirado en la pintura Frida Kahlo.

Y por otro lado tenemos al grupo que suele tener musicalmente mucha influencia pop, alejándose cada vez más del status musical logrado con Parachutes, las muestras han quedado asentadas con su música y su estilo de vida, este camino del grupo parece no tener un final cercano, prueba de ello es el dueto con Kylie Minogue, el cual ya no pudo entrar en este disco porque sonaba muy “sexy” en palabras del vocalista de la agrupación. Otro elemento es el mismo Chris Martin, con su actitud en apariencia altruista, pero a la vez rodeado en varias ocasiones del glamour hollywoodense, paseándose por lujosos lugares con amigos como Jay-Z y Beyoncé.

Estos antecedentes sirven para dar pie a la realización del disco más ambicioso en la carrera de Coldplay, Viva La Vida Or Death And All His Friends, el resultado es un disco aceptable, pero con elementos ciertamente desconcertantes, tal vez precisamente por ese afán experimental e innovador, como el caso del track 5 compuesto por dos canciones Lovers in Japan y Reign of Love. Realmente no entiendo el por qué de la separación, sobre todo cuando termina una y empieza la otra sin alguna conexión de por medio. Lovers es estupenda y no tanto Reign of Love. Algo similar sucede con “Yes”, la cual consta de dos partes separadas, aunque la segunda es difícil percibirla como una canción independiente, también es contrastante y mejor que la primera.

La experimentación por otro lado, no siempre quedó a deber dentro del disco. La disciplina y reestructuración impuesta por Brian Eno es bastante notoria. A pesar de las inevitables referencias a U2, resultó ser la persona idónea para llevarlos por terrenos hasta ahora desconocidos para la banda, una composición musical en un sentido mucho más avant garde, con fusiones melódicas como sonidos orientales, hindúes y una gran variedad de cuerdas. Los temas más destacables en relación a esto son “Cemeteries of London”, “Viva la Vida” y el instrumental “Life in Technicolor”.

La gran expectación que levantó esto disco no se ve plenamente cubierta, sin embargo Coldplay da muestra que corrió el riesgo probar nuevos horizontes para ganar seriedad y de paso dejan claro que siguen estando en buena forma para realizar canciones de nivel, la gran cantidad de ventas que siguen manteniendo, así lo demuestra.

Premier Heavy Metal in Baghdad (2008)

Por Bling

Vice es una revista fundada hace casi una década en Montreal. Actualmente las oficinas centrales se encuentran en Nueva York, gracias a la expansión que ha conseguido en los últimos años, posicionándose en países como Inglaterra, Japón, Australia, Francia y recientemente en México. Es una publicación gratuita y se financia con publicidad, su temática gira en torno al arte independiente y en general a la cultura del joven urbano.

La revista tiende a ser subversiva y hablar de temas que otros medios no mencionan, la libertad en cuánto a la temática y el fuerte lenguaje que manejan es un sello distintivo de Vice desde su creación. Esta característica fundamental llevó a sus creadores a experimentar con nuevos medios de difusión, de ahí la creación de Vice Films, segmento de la revista que presentó con gran éxito el año pasado en el Festival de Cine Toronto su primer aventura en este rubro, el documental Heavy Metal in Baghdad.

El documental nos muestra parte de la historia de Acrassicauda, el primer grupo de heavy metal en la historia de Irak. Pero lejos de ser una notable distinción, el conjunto vive una serie de problemas debido a la difícil situación que vive su país, lo que convierte su propuesta musical en una verdadera lucha de supervivencia.

La historia de la agrupación abarca un antes y un después del mandato de Sadam Hussein, en el cual la represión de dicho régimen mermaba gran parte de sus libertades. En un sistema donde no puedes traer el cabello largo o portar una playera de algún grupo extranjero sin ser detenido, la existencia de la banda parecía una quimera. Sin embargo, con la caída de Hussein las cosas no fueron muy diferentes para Acrassicauda, al contrario, si bien tenían problemas de represión para expresarse artísticamente, con la invasión norteamericana en Irak muchos de los habitantes empezaron a vivir una frenética carrera para mantenerse a salvo de la crisis bélica. Ante una situación de miles de muertos y miles de refugiados tratando de salir de Bagdad hacia otros países, el formar una banda se antojaba francamente secundario.

Fieles a su tradición de mostrar las cosas tal y como son y sin censura, es agradable ver que a pesar de ser una producción Estados Unidos / Canadá, la versión que se transmite en la pantalla es auténtica y apegada a la realidad del pueblo iraquí, sin importar que se maneje una critica directa a la invasión. Heavy Metal in Baghdad es una buena, arriesgada y muy recomendable propuesta de los creadores de la revista Vice.

La premier pratocinada por Sauza Hornitos se realizó el pasado 2 de junio en el Cinemex Plaza Insurgentes y contó con la presencia del director del documental, Eddy Moretti y del director de la revista Shane Smith.

Radiohead: Video de 'All I Need' (2008)

Por Juls

All I need, el nuevo sencillo de Radiohead, extraído de su última producción In Rainbows ya cuenta con video. En esta ocasión el grupo inglés decidió promover junto con MTV y su campaña social llamada EXIT (End Exploitation and Trafficking), su preocupación social en contra del tráfico sexual y la explotación laboral a la que son sometidos millones de niños en el mundo, sobre todo en Asia.

El video es una muestra paralela de un día en la vida de dos niños de la misma edad en diferentes circunstancias; uno que tiene la libertad de poder estudiar y llevar una vida sana dentro de una familia con posibilidades económicas, y el otro que es forzado a trabajar durante largas horas dentro de una fábrica de calzado, en donde se muestran las carencias y la serie de privaciones a las que son sometidos muchos niños como él. Así, All I Need no es sólo una denuncia, si no un golpe a la conciencia de muchas personas que no saben qué es lo que hay detrás de todo lo que tienen, y ellos aclaran: "Some things cost more than you realise".

La claridad del mensaje que nos deja el video se logró sin duda gracias al tacto con el que se manejó. Muchas veces se pueden mostrar escenas más crudas e innecesarias para hacer "entender" la gravedad de un problema, sin embargo All I Need demuestra que no es necesario ya que la ironía de sus imágenes hablan por si mismas.

Es interesante lo que Radiohead ha venido haciendo durante la promoción de In Rainbows, y a pesar de que el estilo de sus videos por lo regular es experimental, el que colaboren de esta forma con una campaña social forma parte también de la esencia del grupo.

Aquí el video:

Mi Historia Sin Mí (I'm Not There) (2007)

Por Juls



Mi Historia Sin Mí (I'm Not There), no es un filme para todo el público. Y he de comenzar así debido a que es compleja la estructura de su argumento; lo cual no es un punto negativo, sino que para muchos resultará interesante la forma en la que se plantean diversas experiencias acerca de un personaje popular, sin llegar a ser un filme biográfico o documental.

Todd Haynes, conocido por la cinta Far From Heaven (guión por el que obtuvo una nominación al Oscar), ha realizado diversos trabajos experimentales como el titulado Superstar: The Karen Carpenter Story, basado en la vida y la trágica muerte por la anorexia que enfrentó la cantante del grupo The Carpenters. Fue experimental debido a que en lugar de ser comúnmente actuada, utilizó muñecas estilo Barbie y Ken para la representación de sus escenas. Dicha experiencia, realizada en 1987, es una muestra de que a Haynes le interesa probar diferentes formas de contar una historia, y este es el caso de Mi Historia Sin Mí, en la que retrata a través de seis historias y seis actores algunas de las experiencias del multifacético músico estadounidense Bob Dylan.

Woody (Marcus Carl Franklin), un chico vagabundo afro americano de 14 años, vive diversas experiencias con gente que se encuentra en el camino asegurando que es Woody Guthrie, el gran músico representante del folk al que Dylan admiraba, y a quien tuvo la oportunidad de conocer durante sus últimos días. Arthur (Ben Whishaw), un joven poeta que reflexiona a lo largo de toda la cinta, representa la admiración de Dylan por la poesía francesa (Arthur Rimbaud como representante), así como su habilidad como escritor. Jack (Christian Bale), un trovador folk que intenta ser escuchado ante una difícil audiencia y que logra ser reconocido, termina como Pastor, fiel al cristianismo. Dylan, judío de nacimiento, encontró su fe dentro del cristianismo, factor que luego influenció muchos de sus trabajos como músico.

La primera parte de la cinta peca de ingenua y elementos como el falso documental en el que Julianne Moore interpreta a una cantante de folk que habla de Jack (Bale) en una entrevista, podrían salir sobrando. Es hasta la historia de Robbie (Heath Ledger), cuando comienzan a surgir factores más determinantes y subjetivos en la vida de Dylan. Dentro de un aspecto más personal, desarrollado a principios de los años 70, Robbie es un actor enamorado de una pintora con la que se casa y tiene dos hijas. Su vida de éxito lo orilla a enfrentarse a un “amigable” divorcio y a continuar su vida dentro del medio, sin dejar de ser reflexivo y meditabundo, tal y como Dylan vivió el divorcio de su esposa Sarah Lownds. Jude (Cate Blanchett), es un músico que realiza una innovación a la música, dejando la guitarra acústica y el folk y transformándolo en folk rock, lo que le trae un éxito inminente y codearse con grandes personalidades (podemos ver una graciosa escena con The Beatles y un paseo con su amigo, el poeta Allen Ginsberg, representante del movimiento beat). Dylan, al igual que Jude, se enfrentó a la prensa, las drogas, los juicios dentro del medio, y a una serie de cambios que se suscitaban dentro de la juventud, dicho personaje magníficamente interpretado por Blanchett, es el que cuenta con más elementos que atrapan al espectador. Por último, la historia de Billy (Richard Gere), podría ser de las más incomprendidas, sin embargo su gran importancia radica en representar al icono estadounidense Billy the Kid, gran influencia dentro de las letras y personajes creados por el músico.

Lo que más impresiona en Mi Historia Sin Mí es la gran investigación que conlleva el guión; y no únicamente acerca del músico, si no de las impresiones que se mostraban en los medios para con el público. Así, podemos ver varios detalles que parecen minúsculos, pero que la gente contemporánea de Dylan o sus seguidores podrán reconocer de inmediato. El hecho que la cinta comience con la muerte de Jude, a quien después vemos sufrir un accidente automovilístico, nos recuerda que Dylan casi muere en un accidente de motocicleta, por lo que Haynes fue más allá y decidió matar al personaje muy sutilmente.

El argumento no enseña, sino que induce a descubrir detalles. Dylan es un hombre multifacético de diversas personalidades por lo que Haynes tuvo la acertada visión de que no podría ser interpretado por un solo actor para así, acercarse más a la realidad aunque pareciera contradictorio. Fue el mismo Dylan quien dio el visto bueno al proyecto y otorgó un permiso especial para la utilización de sus canciones, tanto en su copia original como interpretadas por algunos de los actores. Al terminar de ver Mi Historia Sin Mí, cuyo irónico título implica el que Dylan no está ahí, queda una sensación de que lo presentado no es la verdad absoluta, si no la forma en la que el mundo conoce a Dylan a través de un proyecto sumamente intelectual y sin pretensiones.

The Smashing Pumpkins en el Zero Fest

Por Bling

Buena expectativa se había generado ante la ya próxima e inminente salida del grupo estelar del Festival Zero, evento que había comenzado desde las 2 de la tarde, con un cartel lleno de artistas nacionales e internacionales. A unos minutos de la aparición del acto principal, se proyectaban en la pantalla del escenario Negro todas las ocurrencias de Cedric Bixler-Zavala, vocalista de Mars Volta, conjunto que tocaba en esos momentos en el escenario Rojo. Diez minutos después de la hora señalada en el programa, salió al escenario Smashing Pumpkins.

Tendrían que pasar diez años para volver a ver a esta agrupación presentándose nuevamente en la ciudad de México. En aquel 1998 las cosas eran muy diferentes para la banda comandada por Billy Corgan, ya que en ese entonces promocionaban su disco Adore, trabajo posterior a su obra maestra Mellon Collie and the Infinite Sadness, disco que los llevara a pertenecer a la élite de grupos de rock alternativo en los 90’s. Y aunque ya habían sufrido la salida del baterista Jimmy Chamberlain, mantenían al inigualable guitarrista James Iha y a la carismática bajista D’arcy.

Diez años después se presentan como “headliners” del Zero Fest, comandando una gama de talento sumamente heterogéneo, con artistas que iban desde Miranda hasta Mars Volta y donde nadie puso en tela de juicio, dada la jerarquía y status del grupo, su papel como encargados de encabezar el festival. Sin embargo en esta ocasión, Corgan se hizo acompañar solamente de Chamberlain en cuanto a los miembros originales se refiere, además venían promocionando su más reciente producción, el desapercibido y criticado “Zeitgeist”, primer álbum de la banda en más de seis años.

El concierto comenzó muy bien con la canción “Today”, una consentida de los fans de su disco del 93 “Siamese Dream”. Pero conforme se fue desarrollando el concierto, las canciones de su nuevo disco Zeitgeist (algunas que rayaban en la exageración por la gran duración) opacaban los momentos climáticos del show, así que canciones clásicas de la banda como “1979”, “Tonight tonight” y “Bullet with Butterfly Wings”, prendieron y fueron ovacionadas, pero se quedaron como momentos muy aislados dentro de la presentación.

Ni siquiera el primer sencillo de su última producción “Tarantula”, fue reconocido por la mayoría de los fanáticos ahí presentes, algo similar pasó con los tracks del disco mencionado. Esto fue una pena, ya que por darle prioridad a las nuevas canciones, se quedaron fuera del setlist rolas clásicas como “Zero”, “Thirty Three”, “The End is the Beginning is the End” “Ava Adore” y “Disarm”.

Algunos podrán afirmar que bien valió la pena el concierto por escuchar unas cuántas canciones de sus glorias pasadas, pero es una realidad que los Smashing Pumpkins están muy por debajo de lo que fueron hace más de una década y que parece urgente un cambio de dirección para darle un nuevo giro a su carrera.

Control (2007)

Por Juls


Uno de los filmes que desafortunadamente han pasado desapercibidos en cartelera es Control, el primer proyecto que dirige el excelente fotógrafo y director de videos musicales holandés Anton Corbijn, en cuya extensa carrera ha trabajado con músicos como U2, Depeche Mode, R.E.M., Nirvana, Red Hot Chili Peppers, Coldplay, entre muchos más. Su desenvolvimiento durante varias décadas dentro del ámbito musical, le ha dejado sin duda una sensibilidad por plasmar la esencia de los artistas con los que ha trabajado, al conocer sus experiencias personales, estados de ánimo y muchas veces entablando amistades y relaciones cercanas con ellos.

Corbijn comenzó su carrera durante la década de los años 70. Sus primeros trabajos como fotógrafo dentro de la escena del rock iniciaron con la banda inglesa post-punk Joy Division, quienes gracias a su vocalista, Ian Curtis, tuvieron una historia oscura, llena de tragedias y altibajos que Corbijn tuvo la necesidad de expresar. Así nace Control, que basado en Touching From A Distance la biografía de Ian escrita por su esposa Deborah Curtis, logra darnos una dramática visión acerca de la (al parecer) depresiva vida del genial artista.

Ian Curtis (Sam Riley), oriundo de Macclesfield, Inglaterra, tenía tan solo 17 años cuando conoció a Deborah (Samantha Morton), con quien compartió por un tiempo su gusto poético y musical. Sintiendo esa gran química, Ian le pide matrimonio. Dentro de su vida conyugal, Ian trabajaba de día en una oficina de contrataciones, mientras que por la noche se encerraba en un cuarto a escribir su poesía. En 1976, dentro de un concierto de Sex Pistols, Ian conoce a Bernard Sumner, Peter Hook y Terry Mason con quienes formó el grupo Warsaw, reclutando a Stephen Morris como baterista. Entre su intento por dar a conocer a la banda y cambiándose el nombre a Joy Divison, deciden grabar un demo con ayuda de los ahorros de Deborah. Tony Wilson, quien tenía un programa televisivo, les dio no solo la oportunidad de tocar en vivo su sencillo Transmission (cuya copia original existe), si no de convertirse en una banda mucho más conocida y valorada. Mientras tanto, Deborah estaba embarazada, e Ian se alejaba más de la relación. Durante sus giras conoce a Annik (Alexandra Maria Lara), quien después de convirtiera en su amante. A los 20 años, Ian descubre que sufre de ataques epilépticos. Sus bailes dentro del escenario y su mirada, daban la sensación de que en cualquier momento podía caer al piso desesperadamente (y en ocasiones sucedió). Su preocupación pasiva como padre y esposo, la pasión que Anikk le regresó y el terrible miedo y angustia que le causaba su enfermedad, fueron del parte aguas para que el artista cometiera suicidio a sus 23 años, un día antes de que comenzara su gira por Estados Unidos.

Sam Riley, con su físico sumamente inglés y en su primer papel protagónico, logró retratar la personalidad depresiva de Curtis , sobresaliendo sus movimientos dentro del escenario (si tienes oportunidad observa algún video de Joy Division para comprobarlo), mientras que la más experimentada Samantha Morton, retrata a una mujer pasiva, cuyo amor por Curtis era lo único que la guiaba en su vida. En Control, existe un punto débil: al ser una adaptación de la biografía de Deborah, el argumento se enfoca más en la vida emocional-romántica de Curtis, dejando a un lado las verdaderas experiencias que vivió con el grupo (que si se muestran, pero de una forma algo plana y ajena), cuestión que, a los amantes de la música y del grupo, podría parecernos una gran carencia. Aún así, nos damos una idea de la situación que rodeaba a dicha época: Ian admiraba a David Bowie e Iggy Pop, logró ver en vivo a Sex Pistols, compartió escenario con The Buzzcocks y John Cooper. Sin embargo, si te gustaría profundizar en este aspecto, el filme de Michael Winterbottom 24 Hour People, te dará más detalles.

El rodaje de Control se llevó a cabo en color y luz sobreexpuesta, lo que claramente hubiera dado otro resultado. Corbijn decidió presentar la historia en blanco y negro por medio de una transferencia para lograr la sensación de realismo, dramatismo y seguramente la forma en la que el propio Curtis veía su vida. Su basta experiencia en el ramo dio como resultado una obra artística visual, en la cual, cada escena cuenta con elementos de una fotografía fija bien planeada. Dicha característica (y no el guión como comentaba anteriormente), es el mayor valor del filme, que resulta una mezcla de un video musical con un libro de retratos fotográficos. Ojalá que Corbijn continúe realizando trabajos de este tipo porque a pesar de no ser un producto comercial y digerible para todo público, habemos quienes sin duda gustamos de estos nuevos estilos de arte.

La corta historia musical de Ian Curtis ha quedado expuesta.

Ian: When I'm up there singing, they don't understand how much I give… and how it affects me. I have no control anymore.

Muse – H.A.A.R.P. (2008)

Por Bling

Se escuchaban las notas de “Dance of the Knights” (Romeo y Julieta) de Serguei Prokofiev, mientras tanto el trío de Devon ascendía por una plataforma con aire triunfal, la audiencia gritaba estruendosamente mientras el grupo caminaba por el pasillo que los llevaría al escenario… Muse iba en camino a su histórica presentación en el nuevo estadio de Wembley.

Después de la demolición del viejo estadio en el 2002, la nueva sede tardó varios años en establecerse, finalmente en el 2007 el recinto estaba completamente construido y listo para usarse. El 24 de marzo de ese año se llevó a cabo la inauguración oficial con un partido de futbol, un encuentro entre las selecciones Sub 21 de Italia e Inglaterra. La parte deportiva estaba cubierta, la pregunta ahora era: ¿quién será el primer artista en presentarse en este lugar?

Para buscar un perfil adecuado, se necesitaba de un solista o grupo local que fuera lo suficientemente trascendental como para darle una digna apertura en el ámbito musical a este recinto, y quién mejor que el grupo de rock que venía cargando con las mejores críticas a sus conciertos, así como reconocimientos en la categoría “mejor acto en vivo” en varios premios como los Q Awards, NME, y los Brit Awards. Finalmente en diciembre del 2006, Muse anuncia una presentación para el 16 de junio del 2007, convirtiéndose en el grupo idóneo para tocar en el nuevo estadio de Wembley. La expectativa por esta presentación fue grande desde un principio y se fue acrecentando conforme la fecha se acercaba.

Así estuvo calendarizado el evento durante meses, cuando de forma un tanto inesperada y para darle mayor proyección a su gira de 25 años de trayectoria, George Michael anuncia para el 9 de junio (7 días antes que la de Muse) una presentación en dicho estadio. Ante la molestia de algunos fans que sentían que el ex integrante de Wham! no estaba a la altura que el evento requería, se terminó realizando esta presentación sin tantos aspavientos, no sin cierta desazón por el repentino y hasta cierto punto forzoso cambio de estafeta.

Finalmente llegó el día esperado, Muse montó un escenario impresionante, digno de un espectáculo del nuevo mileno, con unas antenas enormes, globos gigantes que posteriormente servirían para que bailarines hicieran piruetas en el aire durante la canción “Blackout”, así como un sonido y ejecución impecables por parte del grupo.

H.A.A.R.P. es el documento que registra esta histórica presentación de Muse y que deja asentado que el grupo no sólo cumplió con todas la expectativas generadas, sino que además demostró porque es uno de los mejores actos en vivo de los últimos años. Este lanzamiento viene en formato de CD, con la presentación del 16 de junio y cuenta con 14 canciones. Para la fecha que agregaron (17 de junio), está el DVD con 20 temas, que abarcan toda la discografía de la banda, pero basándose en su último álbum, “Black Holes and Revelations”.

High Frequency Active Auroral Research Program (lo que significan las iniciales), es un material altamente recomendable no sólo para fans de Muse, sino para todos aquellos rockeros que quieran apreciar a uno de los mayores exponentes del género, en su mejor momento y forma.

Björk y su nuevo sencillo: Wanderlust

Por Juls


La artista islandesa Björk, es reconocida en el mundo de la música por mantenerse a la vanguardia dentro de su género. Siempre experimenta sonidos nuevos que mezclados con su voz conforman geniales piezas no aptas para todo público. Pero no sólo eso, la cantante también pone énfasis en sus videos musicales que convierte casi siempre en obras subjetivas que van más allá de una simple historia.

Wanderlust (que significa “el deseo de viajar”), es el nombre del tercer sencillo que se desprende de su último álbum titulado Volta (2007) (del cual ya salieron Earth Intruders y Declare Independence) y para el cual decidió realizar un video con animación en 3D que muestra una serie de personajes mezclados con el sonido de la pieza en un viaje por un río dentro de las montañas de Mongolia. La realización fue un gran reto para Encyclopedia Pictura (Isaiah Saxon y Sean Hellfritsch), quienes se encargaron no sólo de dirigir, si no de crear un mundo para Wanderlust, en donde Björk viaja junto con otra versión de ella misma (interpretada por un bailarín profesional) dentro de un río rodeado de yaks, deidades acuáticas y una serie de elementos que lo transforman en un sueño mitológico-futurista y que va de acuerdo a la letra, que habla de una necesidad de liberación personal dentro de un mundo nuevo e inimaginado.

La compleja realización del video se llevó a cabo en varias partes a lo largo de 9 meses. Se construyó un yak gigante para algunas tomas, además de la participación real de Björk y el bailarín profesional delante de una pantalla verde, los paisajes filmados en miniatura y la construcción de la animación del río, todo esto en calidad 3D. Fue después de ver un video de Grizzly Bear cuando la islandesa decidió contratar a Enciclopedia Pictura dentro de un gran acierto. A pesar de que la mayoría de sus videos son de gran calidad visual, Wanderlust es una exquisita historia de 7 minutos y medio que supera a muchos de sus anteriores trabajos.

Dentro del sitio oficial de Björk se dan a conocer 6 formas de adquirir los lentes 3D para disfrutar el video:

-Puedes verlo dentro de algunas tiendas participantes (en Estados Unidos)
-En 318 tiendas estarán regalando los lentes el 19 de abril en donde darán un link para acceder al video (en Estados Unidos)
-RainbowSymphony estará regalandolos en: http://www.rainbowsymphony.com/freestuff.html
-Puedes hacer tus propios lentes siguiendo las instrucciones en: http://terraweb.wr.usgs.gov/kids/glasses.html
-Envía tu dirección a las oficinas de One Little Indian
-Adquiere la Edición Especial para fans de Wanderlust que contiene: un disco con todos los remixes en sonido surround, dos viniles de 12 pulgadas y un DVD con las versiones del video en 2D y 3D.

Mientras conseguimos nuestros lentes, aquí les dejamos el video, esperando que la islandesa realice más trabajos visuales de este tipo.

R.E.M. – Accelerate (2008)

Por Bling

Tomando en cuenta el tiempo que ha transcurrido entre cada disco de R.E.M. en lo que va de este nuevo milenio, tres años entre Reveal (2001) y Around the Sun (2004), y cuatro entre este último y Accelerate (2008), estaríamos hablando de que este es sin duda el último disco del grupo en esta década. Motivo por el cual tendrían que echar mano de algunos elementos para tratar de darle un necesitado cambio a su carrera.

El primer paso fue la remoción de su productor de cabecera, Pat McCarthy quien fuera su guía en las últimas tres grabaciones del conjunto, pero quien finalmente perdiera el rumbo en su ultima colaboración con el disco “Around the Sun”, posiblemente el trabajo de menor nivel en la trayectoria del grupo. Con esta producción se exhibió una gran falta de dirección musical, los sencillos a excepción de “Leaving New York” pasaron prácticamente desapercibidos y las ventas fueron alarmantemente bajas. La crítica y sus fans no perdonaron y finalmente McCarthy dejó de ser una posibilidad para el futuro cercano de la banda.

En la búsqueda de un nuevo talento para producirlos, siguieron el mismo camino que hiciera U2 hace unos años, también en aras de buscar un sonido más fresco y renovado se hicieron de los servicios del reconocido productor Jacknife Lee, quien trabajara previamente con grupos como Snow Patrol, Bloc Party y Kasabian, tres conjuntos muy representativos de la escena musical actual.

La mancuerna de R.E.M. con Jacknife Lee resultó un acierto, ya que el sonido que se logró en Accelerate no obedece a una renovación musical, sino más bien a una composición basada en sus trabajos previos, pero logrando cohesionarlos como hacía años que no se escuchaban.

El resultado es un disco rockero, sin prácticamente nada de fusión folk (sello indiscutible de la banda). Quizás la única canción que conserva esta distinción, sería “Houston”. De ahí en fuera, el grupo suena en ocasiones estridente como en “Monster” (1994), mezclado con la estructura de ritmo ochentero de canciones como “Begin the begin” del disco Life’s Rich Pageant (1986).

En cuanto a la temática de las letras, Stipe vuelve a la crítica social y política, dejando a un lado cualquier intento de balada melosa como lo hicieran con “At My Most Beautiful” en el 98.

Las canciones más destacables son “Hollow Man” “Mr. Richards” “Until The Day Is Done” y por supuesto el primer sencillo “Supernatural Superserious”

Es seguro que Accelerate no pasará a la historia como uno de los mejores discos de R.E.M, pero muy posiblemente sea recordado como el disco que finalmente volvió a cohesionar a la banda después de la dolorosa partida del baterista Bill Berry en octubre de 1997, dándole a su vez una renovada inspiración que el grupo ya necesitaba.