Oasis - Palacio de los Deportes

Por Bling

La autenticidad ha sido un elemento importante a la hora de definir a Oasis. Con el paso del tiempo han demostrado que hay cosas que simplemente no van a cambiar, por eso a diferencia su primer visita a nuestro país hace 10 años, ya no se escuchan quejas sobre el prácticamente nulo desenvolvimiento de Liam en el escenario o la escasa interacción con el público de cualquiera de los otros integrantes. Ahora, en su cuarta presentación en el Palacio de los Deportes, la gente sabe perfectamente a lo que va y lo que los Gallagher ofrecen en el escenario.

Sobre el setlist pasa algo similar, para alguien que medianamente se afane de conocer al grupo de Manchester, sabrá que la mayor parte de la trascendencia en su carrera se debe a sus dos primeros discos, aunque esto no sea un secreto, también es una exageración la percepción que ellos mismos se dan. Parecería una especie de autocastigo impuesto desde hace ya varios años, el hecho de no interpretar en vivo favoritas de la gente como Stand By Me, Don't Go Away, Stop Crying You're Heart Out y Little by Little por mencionar algunas.

Dicho de otra forma, de su tercer, cuarto y quinto disco interpretan una sola canción (Songbird), esto suena escandaloso. Finalmente el orgullo regresó con el sexto álbum para aportar nuevos tracks en el setlist con Lyla, The Importance Of Being Idle con muy buena recepción, y en menor medida Meaning Of Soul.

Este tipo de aceptación para los shows en vivo, no se ha presentado con las canciones de su séptima y ultima producción (Dig Out Your Soul), la cual a pesar de ser un gran trabajo a nivel musical; su innovación y sentido experimental lo hicieron poco accesible para las grandes masas. Por eso canciones como Falling Down, To Be Where's There Life y Waiting For The Rapture no recibieron mucha respuesta a pesar de su gran calidad. Quizás solo la balada de Liam I'm Outta Time, se podría destacar en este sentido.

Asegurando el éxito de la noche, estuvieron como siempre presentes las infalibles: Wonderwall, Don't Look Back In Anger, The Masterplan y Champagne Supernova.

Para cerrar, el cover beatle de I Am The Walrus, que sonó mucho mejor que hace 10 anos en el mismo escenario, prueba de que Oasis es uno de los pocos actos de rock contemporáneo que pese al tiempo, han podido mantenerse en gran forma. Y que la música como en un principio, siempre ha hablado y hablará por sí sola.



El setlist completo fue

Rock N Roll Star
Lyla
The Shock Of The Lightning
Cigarettes And Alcohol
Meaning Of Soul
To Be Where There's Life
Waiting For The Rapture
The Masterplan
Songbird
Slide Away
Morning Glory
Ain't Got Nothing
The Importance Of Being Idle
I`m Outta Time
Wonderwall
Supersonic

Encore:
Don't Look Back In Anger
Falling Down
Champagne Supernova
I Am The Walrus

R.E.M. - Auditorio Nacional

Por Bling

Para muchos sería ilógico afirmar que a sus casi 30 años como banda, R.E.M. conserva un espíritu rejuvenecedor en su entorno, a pesar de la cada vez más decadente apariencia de Peter Buck, así como el promedio de edad de los asistentes a su concierto en el Auditorio Nacional.

Este espíritu mencionado, recae prácticamente al cien por ciento en Michael Stipe, cuya vitalidad en el escenario, gran carisma, así como su siempre presente activismo político, siguen intactos para mantener vigente a la agrupación de Georgia.

El grupo decidió cerrar su gira mundial en nuestro país, la cual abarcó diferentes ciudades de todo el mundo a lo largo del 2008. Por esta razón, un emocionado Stipe explicó a los presentes que tocarían más de lo normal, ya que no volverían a hacerlo durante un buen tiempo. Efectivamente, el concierto se prolongó dos horas, donde se interpretaron un total de 26 canciones. Cantidad mayor a la de sus presentaciones previas.

El frío de la ciudad se sintió en el ambiente, el cual gradualmente fue cambiando cuando llegaron las canciones más conocidas. Temas como The One I Love, Everybody Hurts, Imitation of Life, The Great Beyond, Losing My Religion, It’s The End Of The World As We Know It y Man on the Moon fueron los más ovacionados.

Mención aparte merece la magistral interpretación de Let Me In, donde el grupo y sus músicos formaron un círculo para interpretarla, la canción se escuchó mejor que nunca sin el arreglo estridente de la versión original de estudio.

Es evidente la dificultad que esta banda ha tenido en los últimos años para hacerse presente con las nuevas generaciones, como lo hicieran otros de sus contemporáneos como U2 o Depeche Mode, sin embargo, R.E.M. sigue presente en la escena musical con producciones aceptables como su último disco (Accelerate 2008) y un tour de gran calidad que recorrió 32 países a lo largo de nueve meses.

El Setlist de la noche fue:

Living Well Is the Best Revenge
I Took Your Name
What's The Frequency, Kenneth?
Fall On Me
Drive
Man-Sized Wreath
Ignoreland
Disturbance At Heron House
Hollow Man
Imitation Of Life
Electrolite
The Great Beyond
Everybody Hurts
The One I Love
Find The River
Let Me In
Bad Day
Horse To Water
Orange Crush
It's The End Of The World As We Know It (And I Feel Fine)

Encore:
Supernatural Superserious
Losing My Religion
I Believe
Country Feedback
Life And How To Live It
Man On The Moon

The Last Shadow Puppets – The Age of the Understatement

Por Bling

Me gustaría conocer el nivel real de participación de Miles Kane en la autoria y composición de los temas de este disco.

Es difícil saberlo, por lo que un buen parámetro para tener cierta idea, es el debut del grupo The Rascals, donde Kane funge como vocalista y en el cual obviamente no contó con su contraparte en este proyecto.

Si tomamos esto como referencia, y considerando que el citado debut pasó bastante desapercibido desde su entreno en junio pasado, se comprabaría que tenemos uno más de tantos ejemplos representativos de este naciente fenómeno social, donde las personas de cada vez menor edad pueden alcanzar altos grados de trascendencia en diferentes ámbitos.

En este caso, en el musical, tenemos al líder uno de los grupos más aclamados de los últimos años, escritor sumamente prolífico y ganador con su banda (Arctic Monkeys) de infinidad de premios, con todas estas cartas su edad es ni más ni menos que 22 años y se llama Alex Turner. Y junto con el ya mencionado Miles Kane forman un proyecto llamado The Last Shadow Puppets.

Esta dupla se complementa con uno de los productores más reconocidos en la actualidad, James Ford (Klaxons), quien además de encargarse de la producción toca la bateria y otros instrumentos.

The Age of the Understament es el nombre de este arriesgado lanzamiento, que presenta una gran variedad de estilos, con influencias principalmente sesenteras, en gran parte porque se cantan la mayoría de las canciones a dos voces, recordando a los Hollies, y por supuesto a los Beatles. Estas referencias están sumamente presentes en la excelente “Standing Next to Me” y en “Meeting place”.

Pero a pesar de tener grandes arreglos orquestales a lo Phil Spector, el álbum no deja a un lado la frescura y energía de influencias más modernas, como de los mismos Arctic Monkeys tal y como se plasma con la canción del primer sencillo y que le da el nombre al disco “The Age of the Understatement”, así como la presencia de The Coral en “Separate and Ever Eeadly”.

Pese a todo lo anterior el disco no es tan redondo como para otorgarle un grado de excelencia y encuentra sus puntos mas bajos en canciones como “I don't like you anymore” y “Only the truth”.

El futuro de este proyecto es incierto, ya que ambos miembros fundadores regresan a sus respectivas bandas originales. Pero por lo pronto puedo decir, sin temor a equivocarme, que la gran revelación musical de este 2008, se llama The Last Shadow Puppets.

Sweeney Todd: El Barbero Demoníaco de la Calle Fleet (2008)

Por Juls

(Disponible en DVD)

En la actualidad, producir un filme musical corre ciertos riesgos. El público que prefiere dicho género es minoritario, pero existen casos como Dreamgirls, Chicago, Moulin Rogue!, entre muchos otros, que son bien recibidos y se convierten en éxitos de taquilla. La adaptación del famoso musical Sweeney Todd: El Barbero Demoníaco de la Calle Fleet a la pantalla grande no podría incluirse entre las más taquilleras, y es que, en palabras de Tim Burton, el director, Una película como esta, es una extraña apuesta, porque es un musical clasificado R, (C en nuestro país) porque tiene sangre, y la gente que va a ver los espectáculos de Broadway, en general no quiere ver shows de asesinos psicópatas. Así mismo, las personas que gustan del terror y gore, no se identifican con las historias musicales. Tim Burton, director de cintas como Ed Wood, Sleepy Hollow, Edward Scissorhands y Big Fish, sería el idóneo para realizar Sweeney Todd: El Barbero Demoníaco de la Calle Fleet, gracias a su extravagante personalidad y a su orientación hacia las temáticas góticas y oscuras así como la facilidad que posee para crear personajes únicos dentro de sus realizaciones. El sangriento musical Sweeney Todd: El Barbero Demoníaco de la Calle Fleet, resultó uno de los mayores retos dentro de su carrera.

Ubicada en la Inglaterra victoriana, la historia se centra en Benjamin Barker (Johnny Depp), un barbero que fue injustamente encarcelado y enviado al otro lado del mundo debido a un plan del Juez Turpin (Alan Rickman), que con la ayuda de su cómplice, Beadle Bamford (Timothy Spall), le roban a su esposa Lucy (Laura Michelle Kelly) y a su pequeña hija. Quince años después, Barker se escapa de prisión y regresa a Inglaterra bajo el alias de Sweeney Todd para recuperar a su hija (Jayne Wisener), quien se encuentra bajo la custodia del Juez. Su plan es regresar a su antigua casa, en donde ahora reside la Sra. Lovett (Helena Bonham Carter), quien en la planta baja tiene un negocio de pays de carne reconocidos como los más asquerosos de Londres. Ella le informa que su esposa se ha suicidado y que su hija se encuentra encerrada en la mansión del juez. Sweeney se instala en la planta alta, completa sus brazos con las navajas y pone en marcha su nuevo "negocio".

En una de las escenas más impactantes se presentan los motivos de cada personaje: Johnny Depp interpreta con exactitud a un hombre lleno de dolor, impotencia y de obsesión por la venganza. Su finalidad es terminar con la vida de aquellos que le privaron de su felicidad, aunque tenga que derramar litros de sangre inocente. En contraparte la dulce, amorosa pero despiadada Sra. Lovett, desea vivir su vida en pareja con Sweeney, pero sólo es un sueño que él no nota. Ambos actores, propuestos por Burton (Depp en su sexta colaboración con el director y Bonham Carter, su pareja sentimental), fueron la mejor elección. Dentro de una producción tan compleja, se percibe el entendimiento que hay entre ellos, y eso siempre es agradecido por el público.

Sobresale también (aunque por poco tiempo) Pirelli (Sacha Baron Cohen), un extravagante barbero italiano que amenaza a Sweeney con exponer su verdadera identidad. Es él quien desata la serie de sangirentos asesinatos cuyos cuerpos degollados terminarían beneficiando el sabor de los pays de la Sra Lovett. En la adaptación de John Logan (Gladiador), se enmarca un interesante triángulo formado por Todd, Lovett y el pequeño Toby, ex asistente de Pirrelli e hijo adoptivo de la Sra. Lovett. Dicho enfoque, fue una decisión que ayudó a reducir la historia original de 3 horas, a sólo 2. Así mismo se cortaron versos de las canciones originales y se modificó un poco la trama de la aclamada obra de Stephen Sondheim y Hugh Wheeler.

La producción se enmarca en grandes escenarios lúgubres sumamente melancólicos realizados en su mayoría físicamente por el maestro Dante Ferretti (The Aviator, Gangs of New York, Interview With the Vampire). Cuenta con una fotografía de colores opacos (casi en blanco y negro), que dibujan con sombras el ambiente tétrico de la época . Únicamente hay una escena con iluminación y color real dentro de un sueño de la Sra. Lovett (nota como Todd permanece con el mismo semblante), que logra un contraste excepcional.

Existe una leyenda que señala que el barbero demoníaco existió y asesinó a más de 150 personas, sin embargo, su primera aparición fue en el cuento titulado The String of Pearls: A Romance (al parecer escrito por Thomas Prest). De aquí, se realizaron diferentes versiones, que alcanzaron la fama justo en tiempos de otra creación: el temible asesino, Jack el Destripador.

Sweeney Todd: El Barbero Demoníaco de la Calle Fleet, es un drama fantástico, irreal, basado en pasiones humanas y actos grotescos, con una música y letras impactantes, desarrollado dentro de un perfecto ambiente hostil y tétrico. Con seguridad, sus personajes serán recordados por su autenticidad y aunque probablemente al verla te provoque una sensación de perplejidad: al reflexionar, la recomendarás.

The Verve - Forth

Por Bling

Sin duda uno de los sucesos musicales más comentados en este año ha sido el regreso a los escenarios del grupo originario de Wigan Inglaterra, The Verve.

Y no es para menos, tomando en cuenta los años de ausencia, así como el hecho de que su último disco, "Urban Hyms" de 1997 se convirtiera en uno de los mejores álbums de la década pasada.

En ese lapso, Richard Ashcroft consolidó su carrera como solista con tres aceptables producciones, especialmente la primera, "Alone With Everybody" del 2000. También demostró que la canción "Bitter Sweet Symphony" que interpretó junto con Coldplay en el Live 8 en julio del 2005, sigue tan vigente como cuando se escuchó por primera vez hace ya más de 10 años.

La reunión empezó a tomar forma cuando The Verve confirmó su presencia como headliners de prestigiosos festivales como Glastonbury, T in the Park y Coachella entre otros. Para ese entonces se hablaba de que el regreso de la banda venía también con su cuarto álbum de estudio.

Forth se lanzó el 25 de agosto en el Reino Unido, y contiene 10 temas nuevos escritos por la banda, incluido el primer sencillo "Love is Noise", canción que mantiene más influencia musical de Ashcroft como solista que la que tuviera The Verve en el pasado.

Sus presentaciones en términos generales han sido bastante bien recibidas, el disco sin embargo, no es lo que muchos esperábamos.

El álbum abre con la excelente Sit and Wonder, que dejando de lado el sencillo mencionado, es por mucho la mejor canción en este nueva producción. Dentro de la primera parte de canciones, Judas también es destacable.

Sin embargo, para la segunda sección, “Forth” da un cambio sustancial y retoma ese sonido neo psicodélico logrado en su primera producción “A Storm in Heaven” tan alabado por la crítica pero tan poco recibido por las grandes audiencias. Las canciones son muy largas, y en ocasiones se asimilan a la versión gratuita que se liberó por Internet antes del lanzamiento del disco, donde el grupo mantiene una sesión de ensayo, sin tocar alguna rola en específico. Este sonido se hace evidente en canciones como "I See Houses", "Columbo" y "Appalachian Springs".

En términos musicales The Verve demuestra el gran jerarquía que vienen cargando de años, así como la gran química que los integrantes tienen, pero los aleja del estatus de súper estrellas que lograran en los 90's.

En entrevista reciente, Ashcroft mencionó que los problemas internos siguen haciendo mella en la banda. Ojalá que antes de la enésima separación, tengamos la oportunidad de verlos en vivo.

Concurso "Sazón mexicano" presentado por HP y Cuartoscuro

Por Bling

El pasado 21 de agosto se llevó a cabo el concurso Sazón Mexicano, donde se exhibió la gran variedad gastronómica que tiene nuesto país a través de distintas imágenes.




La Escuela de Gastronomía, fue el lugar para que HP y la revista Cuartoscuro presentaran este evento donde desfiló el talento de varios fotógrafos. Dicha revista recibió un total de 770 fotografías, de 245 autores provenientes de 25 Estados de la República.


A lo largo de el evento se realizó una mesa de discusión en torno a la gastronomía mexicana, en la cual participaron personalidades como Cristina Barros, Edmundo Escamilla y María Fábregas.

Por su parte HP dejó asentado que la calidad de impresión que ofrecen sus impresoras fotográficas siguen estando a la vanguardia. Ya que las impresoras fotográficas HP Designjet facilitan las impresiones con su avanzada tecnología de impresión en gran formato.


La exposición estará abierta hasta el 21 de septiembre en la Escuela de Gastronomía Mexicana, ubicada en la calle de Coahuila 207 esquina con Manzanillo, colonia Roma.

Camino Salvaje (Into the Wild) 2007

Por Juls


El escritor Jon Krakauer, fue el primero en interesarse en la vida de Christopher McCandless, un joven estadounidense de 22 años que decidió abandonar por completo su vida para realizar un viaje hacia Alaska. Dos años de su vida fueron plasmados en Into the Wild, un libro que llamó la atención de los lectores convirtiéndose en un bestseller y posteriormente en un clásico docudrama. Sean Penn, quien asegura haberse impactado con la historia, decidió comprar los derechos y realizar su cuarta película como director. Camino Salvaje (Into the Wild), es el resultado de este gran esfuerzo, en el que Penn se adentra en el mundo subjetivo de McCandless y logra una gran adaptación llena de enseñanzas filosóficas, reflexiones e intimidad dentro de majestuosos paisajes: Un hombre solo, atrapado en sus más profundos pensamientos dentro de la naturaleza salvaje.

Después de haberse graduado con excelentes calificaciones de la Universidad Emory, Christopher McCandless (Emile Hirsch), un joven estadounidense de 22 años cambia por completo la vida que sus padres (Marcia Gay Harden y William Hurt) tienen planeada para él. Para ello decide donar a la caridad (en sus propias palabras “para que alguien coma”, irónicamente), los fondos educativos con los que contaba (24mil dólares), y realizar un viaje hacia Alaska sin avisarle a nadie. La única que conocía sus inquietudes era su hermana Carine (Jena Malone), quien tampoco conocía su paradero. Christopher, comienza una nueva vida bajo el nombre de Alexander Supertramp. Es él y no Christopher quien llegará a Alaska a cumplir su sueño. En su camino conoce a varias personas: una pareja adulta de hippies (Catherine Keener y Brian Dierker) que lo adoptan como hijo por unos días; un rudo granjero que le da trabajo en Dakota (Vince Vaughn); una adolescente enamorada (Kristen Stewart) y un hombre viudo mayor con fuertes experiencias en su vida (Hal Holbrook) que ve a Alexander como la alegría del nieto que nunca tuvo. Holbrook recibió una nominación al Oscar como Mejor Actor Secundario por este papel, que sin duda es el que te provocará más emoción dentro de la historia.

Dentro de la narración de un viaje lo que suele interesarnos es lo que sucede dentro de todo el recorrido, sin importar el destino final. McCandless disfrutaba sus momentos de una forma incompleta porque siempre estaba en su mente llegar a Alaska. Los amigos que hizo en el camino estrechaban lazos con él, mientras que él se llevaba lo mejor de esas personas y se retiraba de una manera fría. Cuando finalmente llega a su destino en el que pasa difíciles pruebas de supervivencia, es cuando se da cuenta que toda esa gente que dejó atrás conformaba una parte de su realidad que hasta ese momento no había visualizado.

Camino Salvaje (Into the Wild) cuenta con varios elementos que hacen que la historia no resulte tediosa, a pesar de su duración de casi 150 minutos: La narración corre a cargo de Carine, quien se interesa en contar parte de la vida de su hermano justificando su huída y contando la pesadilla que era vivir dentro de una familia problemática, en donde sus padres vivían juntos entre gritos, discusiones y agresiones, por lo que los hermanos crearon estrecho lazo y confidencialidad. Por otro lado el viaje de McCandless se divide en tres partes: Infancia, Adolescencia y Madurez, intercalando momentos con el desenlace nombrado “El autobús mágico”. Es así como Penn nos presenta con una edición dinámica (también nominada al Oscar) algo que en realidad no se puede constatar como verdadero, pero que dio como resultado una excelente forma “poética” de presentarlo.

McCandless tuvo a la literatura de Tolstoy, Thoreau y Jack London como guía y fiel compañía dentro de su viaje. Solía nombrar citas de los autores y crear una íntima conexión entre las enseñanzas y su propia experiencia. Penn, -en un gran acierto- visualizó a Hirsch interpretando a McCandless. El actor de 23 años, quien comenzó dentro de filmes cómicos con personajes sosos, muestra una gran madurez (que seguramente se irá acrecentando). Camino Salvaje (Into the Wild) conforma sin duda su mejor actuación dramática hasta el momento con la que logra transmitir la soledad, la necesidad de libertad y su continua búsqueda interna de una forma muy cálida. A pesar de que la historia se desarrolla en dos años, físicamente Hirsch logra obtener un cambio drástico, como si se reseñara su vida entera. Penn nos presenta en un par de tomas (que ya notarás) un contacto visual directo del personaje con la cámara (el público) lo que podrá resultarte extraño, pero la escena final explica la necesidad de mantener al personaje en constante complicidad con el público: McCandless, la naturaleza y el mundo entero.

El argumento se fortalece por la excelente fotografía, las bellas locaciones naturales y la música que realizó especialmente para el filme Eddie Vedder, cuyas letras continúan el sentido poético y romántico durante todas las etapas del viaje hasta su conmovedor desenlace. Más que un filme de acción o aventuras (por lo que podría decirte el título), Camino Salvaje (Into the Wild) es un drama que penetra en los deseos de cualquier ser humano y en una filosofía de vida que tal vez muchos hemos cuestionado.

X - files - I want to believe (2008)

Por Bling

Después de más de 6 años de que se transmitiera el último episodio de la serie, regresa X - files por segunda ocasión a la pantalla grande, tratando de mantener algo del legado que dejara este programa en la década pasada.

Dos caminos pudieron haber tomado Chris Carter y compañía a la hora de decidir qué rumbo tomar para la realización de esta cinta, por un lado la ruta en mi opinión más difícil, representaba volver a dar vida a la mitología de la serie, el encubrimiento del gobierno sobre la conspiración alienígena.

Esta trama se convirtió en la columna vertebral del programa a lo largo de sus nueve temporadas, así como de la primera película de X - files (estrenada en 1998). También fue parte fundamental en el interesante capítulo final de la serie, el cual menciona la fecha exacta de la invasión extraterrestre, fecha que dicho sea de paso, coincide con el último día del calendario maya, 21 de diciembre del año 2012.

El otro camino era simplemente hacer un episodio independiente de lo antes mencionado, adaptado a la duración de una película y que obviamente no dejara de lado el elemento paranormal.

Finalmente este segundo camino fue el que se tomó. El tema seleccionado es acerca de una serie de asesinatos y la cuestionable ayuda de un sacerdote psíquico para encontrar los cuerpos y los posibles culpables. El nuevo grupo del FBI se crea bajo un concepto similar al de la serie, donde la agente Dakota Whitney (Amanda Peet) juega el papel de la creyente y el agente Mosley Drummy (Xzibit) del escéptico. Además de lidiar con los constantes cuestionamientos de sus creencias, Whitney tiene que afrontar la decisión de pedir ayuda a los agentes retirados Mulder y Scully.

Podría decir que el frío recibimiento que en general ha tenido la película se debe a la dificultad de encontrar respuesta en el público después de un lapso tan prolongado de tiempo sin tener presencia del programa, pero que a pesar de eso, se entregó un producto de calidad como lo fue la primer cinta o la gran generalidad de los episodios de la serie. Desafortunadamente no puedo decir eso.

El filme tomó una dirección extrañamente oscura, en ocasiones es visualmente grotesco con la exposicion de cuerpos cercenados, no logra atrapar con la parte de suspenso y el sentido de las creencias con el cuestionamiento de fe (que ocupa una gran parte de la trama) se siente forzado y en algunas veces se justifica con recursos muy primarios como lo del “Don’t give up”.

Por otro parte y como elementos positivos, Gillian Anderson y David Duchovny dan como siempre muy buenas actuaciones y no tienen la menor culpa de la dirección que tomó la película. A su vez, la pequeña aparición de Walter Skinner (Mitch Pileggi) le da un toque de remembranza de los grandes episodios de antaño.

Al parecer el director y creador Chris Carter perdió el toque para crear la tensión y dramatismo que diera un cierre digno (dudo mucho que se vuelva a hacer una película de X - files) a un show de televisión que marcó una época en la década de los noventas.

Muse - Auditorio Telmex, Guadalajara

Por Bling

Muse decidió realizar una serie de presentaciones por aquí y por allá sin tener una gira mundial establecida, uno de los lugares seleccionados fue el Auditorio Telmex de Guadalajara, el cual se convirtió en el escenario idóneo para volver a presentar al trío de Devon en nuestro país, después de su actuación hace un año en la Ciudad de México y recientemente en Monterrey.

Sin promocionar un álbum en particular, la selección de canciones prácticamente abarcó toda su discografía y presentó temas poco habituales como Space Dementia y Dead Star. El público tapatío respondió con gran fuerza a la energía que derrochó el grupo en el escenario.

La tocada cerró con Knights of Cydonia, la cual se ha venido a convertir en uno de los sellos distintivos del grupo, así como una de las muestras más emotivas e intensas de rock en vivo que se recuerden en los últimos años.

El setlist de la noche fue…

Map of the Problematique

Supermassive Black Holes
Dead Star

New Born

Butterflies and Hurricanes

City of Delusion

Space Dementia

Feeling Good

Hysteria

Starlight

Time Is Running Out

Stockholm Syndrome

Soldier's Poem

Invincible

Plug In Baby
Knights of Cydonia

WALL* E – 2008

Por Bling

No lo hicieron ni “Impacto Profundo” ni “Armageddon” en su momento, tampoco lo hizo recientemente Al Gore con su documental sobre el calentamientos global, ni las constantes referencias de Leonardo DiCaprio sobre este tema. Tampoco el mensaje de salvemos al planeta tierra (pero más a las plantas) de “El Fin de los Tiempos”. Nada de esto pudo lograr que me preocupara sobre las teorías catastrofistas hollywoodenses del fin del mundo. Hasta que llegó… WALL-E. Y es que si Disney también maneja estas teorías apocalípticas, el mundo debe de estar cambiando realmente.

La nueva producción de Pixar trata sobre un curioso robot que pasa todo el día cumpliendo el propósito para el que fue creado: compactar basura y amontonarla en cubos formando estructuras de grandes dimensiones. Sin embargo, un buen día recibe la vista de Eva, una robot que viaja a la tierra para buscar algún indicio de vida natural. El encuentro con WALL-E y con una muestra vegetal, traerá una nueva esperanza para los humanos que llevan años viviendo en el espacio.

Esta ambiciosa historia del director Andrew Stanton trae mucha carga de moraleja sobre contaminación, descomposición y en general el ya mencionado tema ecológico. Se podría pensar por el lado positivo el mensaje que se le está dando a los niños, pero es precisamente eso lo que juega en contra de esta película. El argumento central establece una clara referencia de deterioro al que puede llegar el planeta en un futuro, además WALL-E vive en una soledad infinita, añorando constantemente la compañía de alguien.

Se admiran el riesgo de manejar estos temas, pero finalmente son los niños quienes dudosamente asimilaran con simpatía este tipo de mensajes, sobre todo cuando la modernidad en películas animadas usan pandas karatecas, ogros verdes, o como el mismo Stanton lo hiciera hace unos años, una fauna marina en “Buscando a Nemo”. Además de la asimilación del tema, se antoja difícil la identificación de los niños con un robot que en ocasiones recuerda a aquel ochentero de “Corto circuito”.

A pesar de esto, el mayor logro de la cinta radica en la solidez de los personajes principales, ya que prácticamente no tienen diálogos. Es muy reconocible la emotividad lograda en WALL-E y Eva basándose principalmente en los matices que se le dan a las voces al decir sus respectivos nombres. Otro elemento a favor, es la composición visual para crear los grandes escenarios de edificios formados de basura, así como toda la odisea espacial.

WALL-E no es ni remotamente lo mejor que ha hecho Pixar, y seguramente bajará el promedio de los altos ingresos en taquilla que han mantenido sus producciones. Sin embargo, este estudio sigue demostrando estar a la vanguardia, como en este caso, retomando un tema que como ya se mencionó, puede no hacer mucho eco en los niños, pero la importancia del mismo es cien por ciento innegable.