Radiohead: Video de 'All I Need' (2008)

Por Juls

All I need, el nuevo sencillo de Radiohead, extraído de su última producción In Rainbows ya cuenta con video. En esta ocasión el grupo inglés decidió promover junto con MTV y su campaña social llamada EXIT (End Exploitation and Trafficking), su preocupación social en contra del tráfico sexual y la explotación laboral a la que son sometidos millones de niños en el mundo, sobre todo en Asia.

El video es una muestra paralela de un día en la vida de dos niños de la misma edad en diferentes circunstancias; uno que tiene la libertad de poder estudiar y llevar una vida sana dentro de una familia con posibilidades económicas, y el otro que es forzado a trabajar durante largas horas dentro de una fábrica de calzado, en donde se muestran las carencias y la serie de privaciones a las que son sometidos muchos niños como él. Así, All I Need no es sólo una denuncia, si no un golpe a la conciencia de muchas personas que no saben qué es lo que hay detrás de todo lo que tienen, y ellos aclaran: "Some things cost more than you realise".

La claridad del mensaje que nos deja el video se logró sin duda gracias al tacto con el que se manejó. Muchas veces se pueden mostrar escenas más crudas e innecesarias para hacer "entender" la gravedad de un problema, sin embargo All I Need demuestra que no es necesario ya que la ironía de sus imágenes hablan por si mismas.

Es interesante lo que Radiohead ha venido haciendo durante la promoción de In Rainbows, y a pesar de que el estilo de sus videos por lo regular es experimental, el que colaboren de esta forma con una campaña social forma parte también de la esencia del grupo.

Aquí el video:

Quemar las naves (2008)

Por Bling

Siempre tuve el presentimiento de que María Renée Prudencio (la recordaran por su papel de Adriana, la hija de María Inés en Mirada de Mujer) estaba para más que únicamente actuar en telenovelas.

Después de unos años de haber participado en la popular novela, recibimos la grata sorpresa de que co-escribió el guión de la de cinta mexicana Quemar las Naves junto al director de la misma, Francisco Franco. Y no es la única sorpresa agradable de la cinta.

La cinta trata sobre Helena (Irene Azuela) y Sebastián (Ángel Onésimo Nevares), dos hermanos atormentados por la grave salud de su madre. Cada uno vive la situación de diferente manera, pero mantienen similitudes trascendentales: ambos evitan enfrentarse a la peor de las realidades, ellos mismos, además que viven añorando el momento en el que podrán salir del círculo en el que se encuentran.

Mientras Helena se recluye en su casa y se aisla de todos para cuidar a su madre, Sebastián manifiesta sus inquietudes por medio de la pintura, a su vez, se siente atraído por el alumno recién llegado, Juan (Bernardo Benítez), un tipo de apariencia ruda, pero que con el tiempo se entenderá de diferentes formas con Sebastián. La crisis de identidad, el encierro y en sí la experiencia de vivir la enfermedad de su mamá como una cuenta regresiva, son los elementos que sirven de contexto para explorar la complicada y un tanto retorcida relación de ambos hermanos.

Contar la historia de varios adolescentes y sus crisis de identidad, puede parecer un tema trillado, la diferencia con el guión de Quemar las naves radica en la profundidad con la que se toca a los protagonistas, esto trae una buena experiencia en el desarrollo de los personajes, pero a la vez este elemento juego en contra, ya que la cinta es un tanto lenta en algunos momentos.

Las locaciones donde se desarrolla la cinta, son un elemento a destacar, ya que acostumbrados en cierta forma a los escenarios del Distrito Federal que varias producciones mexicanas presentan, la película está rodada en el Estado de Zacatecas.

En el terreno musical, la cinta cuenta con la colaboración de Joselo y Julieta Venegas, los cuales además de un par de temas instrumentales, nos regalan la estupenda “Mi Principio”*. Canción escrita por el integrante de Café Tacvba, y cuya letra está sumamente ligada a la temática del filme.

A pesar de estos elementos, sin duda la sorpresa más agradable de la película es Irene Azuela, a quien se le relegara a segundo plano en el Búfalo de la Noche en buena parte gracias a que los productores pensaron que a nivel marketing funcionaba mejor explotar el nombre de Camila Sodi, incluso Azuela no aparece en el poster promocional de dicha cinta a pesar de que tiene un papel más protagónico que Sodi. Para su fortuna, en esta película es la estrella y no hay quien le haga las más mínima sombra, a pesar de que el trabajo del talento actoral joven en términos generales es bastante aceptable. El trabajo realizado por esta joven egresada del Centro de Formación Actoral, le valió ni más ni menos que un Ariel en la categoría de mejor actriz.

Quemar las naves es una propuesta de cine recomendable, no es la típica cinta de chavos con consejos moralinos de drogas, sexo y demás. Es una historia que sabe como entrar a la vida de sus personajes gracias a la buena ejecución de su guión.

* Un día me voy a ir y no volveré jamás

Prefiero la soledad a vivir sin mi verdad.

Un día me voy a ir seguro me extrañarás

como el ave de ciudad se va buscando la mar.

Porque al final aunque esté feliz aquí.

Debo emigrar a un lugar lejos de aquí

No me entiendas mal

Que no es cosa de los dos

Parece el final, pero es mi principio.

Mi Historia Sin Mí (I'm Not There) (2007)

Por Juls



Mi Historia Sin Mí (I'm Not There), no es un filme para todo el público. Y he de comenzar así debido a que es compleja la estructura de su argumento; lo cual no es un punto negativo, sino que para muchos resultará interesante la forma en la que se plantean diversas experiencias acerca de un personaje popular, sin llegar a ser un filme biográfico o documental.

Todd Haynes, conocido por la cinta Far From Heaven (guión por el que obtuvo una nominación al Oscar), ha realizado diversos trabajos experimentales como el titulado Superstar: The Karen Carpenter Story, basado en la vida y la trágica muerte por la anorexia que enfrentó la cantante del grupo The Carpenters. Fue experimental debido a que en lugar de ser comúnmente actuada, utilizó muñecas estilo Barbie y Ken para la representación de sus escenas. Dicha experiencia, realizada en 1987, es una muestra de que a Haynes le interesa probar diferentes formas de contar una historia, y este es el caso de Mi Historia Sin Mí, en la que retrata a través de seis historias y seis actores algunas de las experiencias del multifacético músico estadounidense Bob Dylan.

Woody (Marcus Carl Franklin), un chico vagabundo afro americano de 14 años, vive diversas experiencias con gente que se encuentra en el camino asegurando que es Woody Guthrie, el gran músico representante del folk al que Dylan admiraba, y a quien tuvo la oportunidad de conocer durante sus últimos días. Arthur (Ben Whishaw), un joven poeta que reflexiona a lo largo de toda la cinta, representa la admiración de Dylan por la poesía francesa (Arthur Rimbaud como representante), así como su habilidad como escritor. Jack (Christian Bale), un trovador folk que intenta ser escuchado ante una difícil audiencia y que logra ser reconocido, termina como Pastor, fiel al cristianismo. Dylan, judío de nacimiento, encontró su fe dentro del cristianismo, factor que luego influenció muchos de sus trabajos como músico.

La primera parte de la cinta peca de ingenua y elementos como el falso documental en el que Julianne Moore interpreta a una cantante de folk que habla de Jack (Bale) en una entrevista, podrían salir sobrando. Es hasta la historia de Robbie (Heath Ledger), cuando comienzan a surgir factores más determinantes y subjetivos en la vida de Dylan. Dentro de un aspecto más personal, desarrollado a principios de los años 70, Robbie es un actor enamorado de una pintora con la que se casa y tiene dos hijas. Su vida de éxito lo orilla a enfrentarse a un “amigable” divorcio y a continuar su vida dentro del medio, sin dejar de ser reflexivo y meditabundo, tal y como Dylan vivió el divorcio de su esposa Sarah Lownds. Jude (Cate Blanchett), es un músico que realiza una innovación a la música, dejando la guitarra acústica y el folk y transformándolo en folk rock, lo que le trae un éxito inminente y codearse con grandes personalidades (podemos ver una graciosa escena con The Beatles y un paseo con su amigo, el poeta Allen Ginsberg, representante del movimiento beat). Dylan, al igual que Jude, se enfrentó a la prensa, las drogas, los juicios dentro del medio, y a una serie de cambios que se suscitaban dentro de la juventud, dicho personaje magníficamente interpretado por Blanchett, es el que cuenta con más elementos que atrapan al espectador. Por último, la historia de Billy (Richard Gere), podría ser de las más incomprendidas, sin embargo su gran importancia radica en representar al icono estadounidense Billy the Kid, gran influencia dentro de las letras y personajes creados por el músico.

Lo que más impresiona en Mi Historia Sin Mí es la gran investigación que conlleva el guión; y no únicamente acerca del músico, si no de las impresiones que se mostraban en los medios para con el público. Así, podemos ver varios detalles que parecen minúsculos, pero que la gente contemporánea de Dylan o sus seguidores podrán reconocer de inmediato. El hecho que la cinta comience con la muerte de Jude, a quien después vemos sufrir un accidente automovilístico, nos recuerda que Dylan casi muere en un accidente de motocicleta, por lo que Haynes fue más allá y decidió matar al personaje muy sutilmente.

El argumento no enseña, sino que induce a descubrir detalles. Dylan es un hombre multifacético de diversas personalidades por lo que Haynes tuvo la acertada visión de que no podría ser interpretado por un solo actor para así, acercarse más a la realidad aunque pareciera contradictorio. Fue el mismo Dylan quien dio el visto bueno al proyecto y otorgó un permiso especial para la utilización de sus canciones, tanto en su copia original como interpretadas por algunos de los actores. Al terminar de ver Mi Historia Sin Mí, cuyo irónico título implica el que Dylan no está ahí, queda una sensación de que lo presentado no es la verdad absoluta, si no la forma en la que el mundo conoce a Dylan a través de un proyecto sumamente intelectual y sin pretensiones.

The Smashing Pumpkins en el Zero Fest

Por Bling

Buena expectativa se había generado ante la ya próxima e inminente salida del grupo estelar del Festival Zero, evento que había comenzado desde las 2 de la tarde, con un cartel lleno de artistas nacionales e internacionales. A unos minutos de la aparición del acto principal, se proyectaban en la pantalla del escenario Negro todas las ocurrencias de Cedric Bixler-Zavala, vocalista de Mars Volta, conjunto que tocaba en esos momentos en el escenario Rojo. Diez minutos después de la hora señalada en el programa, salió al escenario Smashing Pumpkins.

Tendrían que pasar diez años para volver a ver a esta agrupación presentándose nuevamente en la ciudad de México. En aquel 1998 las cosas eran muy diferentes para la banda comandada por Billy Corgan, ya que en ese entonces promocionaban su disco Adore, trabajo posterior a su obra maestra Mellon Collie and the Infinite Sadness, disco que los llevara a pertenecer a la élite de grupos de rock alternativo en los 90’s. Y aunque ya habían sufrido la salida del baterista Jimmy Chamberlain, mantenían al inigualable guitarrista James Iha y a la carismática bajista D’arcy.

Diez años después se presentan como “headliners” del Zero Fest, comandando una gama de talento sumamente heterogéneo, con artistas que iban desde Miranda hasta Mars Volta y donde nadie puso en tela de juicio, dada la jerarquía y status del grupo, su papel como encargados de encabezar el festival. Sin embargo en esta ocasión, Corgan se hizo acompañar solamente de Chamberlain en cuanto a los miembros originales se refiere, además venían promocionando su más reciente producción, el desapercibido y criticado “Zeitgeist”, primer álbum de la banda en más de seis años.

El concierto comenzó muy bien con la canción “Today”, una consentida de los fans de su disco del 93 “Siamese Dream”. Pero conforme se fue desarrollando el concierto, las canciones de su nuevo disco Zeitgeist (algunas que rayaban en la exageración por la gran duración) opacaban los momentos climáticos del show, así que canciones clásicas de la banda como “1979”, “Tonight tonight” y “Bullet with Butterfly Wings”, prendieron y fueron ovacionadas, pero se quedaron como momentos muy aislados dentro de la presentación.

Ni siquiera el primer sencillo de su última producción “Tarantula”, fue reconocido por la mayoría de los fanáticos ahí presentes, algo similar pasó con los tracks del disco mencionado. Esto fue una pena, ya que por darle prioridad a las nuevas canciones, se quedaron fuera del setlist rolas clásicas como “Zero”, “Thirty Three”, “The End is the Beginning is the End” “Ava Adore” y “Disarm”.

Algunos podrán afirmar que bien valió la pena el concierto por escuchar unas cuántas canciones de sus glorias pasadas, pero es una realidad que los Smashing Pumpkins están muy por debajo de lo que fueron hace más de una década y que parece urgente un cambio de dirección para darle un nuevo giro a su carrera.

Control (2007)

Por Juls


Uno de los filmes que desafortunadamente han pasado desapercibidos en cartelera es Control, el primer proyecto que dirige el excelente fotógrafo y director de videos musicales holandés Anton Corbijn, en cuya extensa carrera ha trabajado con músicos como U2, Depeche Mode, R.E.M., Nirvana, Red Hot Chili Peppers, Coldplay, entre muchos más. Su desenvolvimiento durante varias décadas dentro del ámbito musical, le ha dejado sin duda una sensibilidad por plasmar la esencia de los artistas con los que ha trabajado, al conocer sus experiencias personales, estados de ánimo y muchas veces entablando amistades y relaciones cercanas con ellos.

Corbijn comenzó su carrera durante la década de los años 70. Sus primeros trabajos como fotógrafo dentro de la escena del rock iniciaron con la banda inglesa post-punk Joy Division, quienes gracias a su vocalista, Ian Curtis, tuvieron una historia oscura, llena de tragedias y altibajos que Corbijn tuvo la necesidad de expresar. Así nace Control, que basado en Touching From A Distance la biografía de Ian escrita por su esposa Deborah Curtis, logra darnos una dramática visión acerca de la (al parecer) depresiva vida del genial artista.

Ian Curtis (Sam Riley), oriundo de Macclesfield, Inglaterra, tenía tan solo 17 años cuando conoció a Deborah (Samantha Morton), con quien compartió por un tiempo su gusto poético y musical. Sintiendo esa gran química, Ian le pide matrimonio. Dentro de su vida conyugal, Ian trabajaba de día en una oficina de contrataciones, mientras que por la noche se encerraba en un cuarto a escribir su poesía. En 1976, dentro de un concierto de Sex Pistols, Ian conoce a Bernard Sumner, Peter Hook y Terry Mason con quienes formó el grupo Warsaw, reclutando a Stephen Morris como baterista. Entre su intento por dar a conocer a la banda y cambiándose el nombre a Joy Divison, deciden grabar un demo con ayuda de los ahorros de Deborah. Tony Wilson, quien tenía un programa televisivo, les dio no solo la oportunidad de tocar en vivo su sencillo Transmission (cuya copia original existe), si no de convertirse en una banda mucho más conocida y valorada. Mientras tanto, Deborah estaba embarazada, e Ian se alejaba más de la relación. Durante sus giras conoce a Annik (Alexandra Maria Lara), quien después de convirtiera en su amante. A los 20 años, Ian descubre que sufre de ataques epilépticos. Sus bailes dentro del escenario y su mirada, daban la sensación de que en cualquier momento podía caer al piso desesperadamente (y en ocasiones sucedió). Su preocupación pasiva como padre y esposo, la pasión que Anikk le regresó y el terrible miedo y angustia que le causaba su enfermedad, fueron del parte aguas para que el artista cometiera suicidio a sus 23 años, un día antes de que comenzara su gira por Estados Unidos.

Sam Riley, con su físico sumamente inglés y en su primer papel protagónico, logró retratar la personalidad depresiva de Curtis , sobresaliendo sus movimientos dentro del escenario (si tienes oportunidad observa algún video de Joy Division para comprobarlo), mientras que la más experimentada Samantha Morton, retrata a una mujer pasiva, cuyo amor por Curtis era lo único que la guiaba en su vida. En Control, existe un punto débil: al ser una adaptación de la biografía de Deborah, el argumento se enfoca más en la vida emocional-romántica de Curtis, dejando a un lado las verdaderas experiencias que vivió con el grupo (que si se muestran, pero de una forma algo plana y ajena), cuestión que, a los amantes de la música y del grupo, podría parecernos una gran carencia. Aún así, nos damos una idea de la situación que rodeaba a dicha época: Ian admiraba a David Bowie e Iggy Pop, logró ver en vivo a Sex Pistols, compartió escenario con The Buzzcocks y John Cooper. Sin embargo, si te gustaría profundizar en este aspecto, el filme de Michael Winterbottom 24 Hour People, te dará más detalles.

El rodaje de Control se llevó a cabo en color y luz sobreexpuesta, lo que claramente hubiera dado otro resultado. Corbijn decidió presentar la historia en blanco y negro por medio de una transferencia para lograr la sensación de realismo, dramatismo y seguramente la forma en la que el propio Curtis veía su vida. Su basta experiencia en el ramo dio como resultado una obra artística visual, en la cual, cada escena cuenta con elementos de una fotografía fija bien planeada. Dicha característica (y no el guión como comentaba anteriormente), es el mayor valor del filme, que resulta una mezcla de un video musical con un libro de retratos fotográficos. Ojalá que Corbijn continúe realizando trabajos de este tipo porque a pesar de no ser un producto comercial y digerible para todo público, habemos quienes sin duda gustamos de estos nuevos estilos de arte.

La corta historia musical de Ian Curtis ha quedado expuesta.

Ian: When I'm up there singing, they don't understand how much I give… and how it affects me. I have no control anymore.

Muse – H.A.A.R.P. (2008)

Por Bling

Se escuchaban las notas de “Dance of the Knights” (Romeo y Julieta) de Serguei Prokofiev, mientras tanto el trío de Devon ascendía por una plataforma con aire triunfal, la audiencia gritaba estruendosamente mientras el grupo caminaba por el pasillo que los llevaría al escenario… Muse iba en camino a su histórica presentación en el nuevo estadio de Wembley.

Después de la demolición del viejo estadio en el 2002, la nueva sede tardó varios años en establecerse, finalmente en el 2007 el recinto estaba completamente construido y listo para usarse. El 24 de marzo de ese año se llevó a cabo la inauguración oficial con un partido de futbol, un encuentro entre las selecciones Sub 21 de Italia e Inglaterra. La parte deportiva estaba cubierta, la pregunta ahora era: ¿quién será el primer artista en presentarse en este lugar?

Para buscar un perfil adecuado, se necesitaba de un solista o grupo local que fuera lo suficientemente trascendental como para darle una digna apertura en el ámbito musical a este recinto, y quién mejor que el grupo de rock que venía cargando con las mejores críticas a sus conciertos, así como reconocimientos en la categoría “mejor acto en vivo” en varios premios como los Q Awards, NME, y los Brit Awards. Finalmente en diciembre del 2006, Muse anuncia una presentación para el 16 de junio del 2007, convirtiéndose en el grupo idóneo para tocar en el nuevo estadio de Wembley. La expectativa por esta presentación fue grande desde un principio y se fue acrecentando conforme la fecha se acercaba.

Así estuvo calendarizado el evento durante meses, cuando de forma un tanto inesperada y para darle mayor proyección a su gira de 25 años de trayectoria, George Michael anuncia para el 9 de junio (7 días antes que la de Muse) una presentación en dicho estadio. Ante la molestia de algunos fans que sentían que el ex integrante de Wham! no estaba a la altura que el evento requería, se terminó realizando esta presentación sin tantos aspavientos, no sin cierta desazón por el repentino y hasta cierto punto forzoso cambio de estafeta.

Finalmente llegó el día esperado, Muse montó un escenario impresionante, digno de un espectáculo del nuevo mileno, con unas antenas enormes, globos gigantes que posteriormente servirían para que bailarines hicieran piruetas en el aire durante la canción “Blackout”, así como un sonido y ejecución impecables por parte del grupo.

H.A.A.R.P. es el documento que registra esta histórica presentación de Muse y que deja asentado que el grupo no sólo cumplió con todas la expectativas generadas, sino que además demostró porque es uno de los mejores actos en vivo de los últimos años. Este lanzamiento viene en formato de CD, con la presentación del 16 de junio y cuenta con 14 canciones. Para la fecha que agregaron (17 de junio), está el DVD con 20 temas, que abarcan toda la discografía de la banda, pero basándose en su último álbum, “Black Holes and Revelations”.

High Frequency Active Auroral Research Program (lo que significan las iniciales), es un material altamente recomendable no sólo para fans de Muse, sino para todos aquellos rockeros que quieran apreciar a uno de los mayores exponentes del género, en su mejor momento y forma.

Björk y su nuevo sencillo: Wanderlust

Por Juls


La artista islandesa Björk, es reconocida en el mundo de la música por mantenerse a la vanguardia dentro de su género. Siempre experimenta sonidos nuevos que mezclados con su voz conforman geniales piezas no aptas para todo público. Pero no sólo eso, la cantante también pone énfasis en sus videos musicales que convierte casi siempre en obras subjetivas que van más allá de una simple historia.

Wanderlust (que significa “el deseo de viajar”), es el nombre del tercer sencillo que se desprende de su último álbum titulado Volta (2007) (del cual ya salieron Earth Intruders y Declare Independence) y para el cual decidió realizar un video con animación en 3D que muestra una serie de personajes mezclados con el sonido de la pieza en un viaje por un río dentro de las montañas de Mongolia. La realización fue un gran reto para Encyclopedia Pictura (Isaiah Saxon y Sean Hellfritsch), quienes se encargaron no sólo de dirigir, si no de crear un mundo para Wanderlust, en donde Björk viaja junto con otra versión de ella misma (interpretada por un bailarín profesional) dentro de un río rodeado de yaks, deidades acuáticas y una serie de elementos que lo transforman en un sueño mitológico-futurista y que va de acuerdo a la letra, que habla de una necesidad de liberación personal dentro de un mundo nuevo e inimaginado.

La compleja realización del video se llevó a cabo en varias partes a lo largo de 9 meses. Se construyó un yak gigante para algunas tomas, además de la participación real de Björk y el bailarín profesional delante de una pantalla verde, los paisajes filmados en miniatura y la construcción de la animación del río, todo esto en calidad 3D. Fue después de ver un video de Grizzly Bear cuando la islandesa decidió contratar a Enciclopedia Pictura dentro de un gran acierto. A pesar de que la mayoría de sus videos son de gran calidad visual, Wanderlust es una exquisita historia de 7 minutos y medio que supera a muchos de sus anteriores trabajos.

Dentro del sitio oficial de Björk se dan a conocer 6 formas de adquirir los lentes 3D para disfrutar el video:

-Puedes verlo dentro de algunas tiendas participantes (en Estados Unidos)
-En 318 tiendas estarán regalando los lentes el 19 de abril en donde darán un link para acceder al video (en Estados Unidos)
-RainbowSymphony estará regalandolos en: http://www.rainbowsymphony.com/freestuff.html
-Puedes hacer tus propios lentes siguiendo las instrucciones en: http://terraweb.wr.usgs.gov/kids/glasses.html
-Envía tu dirección a las oficinas de One Little Indian
-Adquiere la Edición Especial para fans de Wanderlust que contiene: un disco con todos los remixes en sonido surround, dos viniles de 12 pulgadas y un DVD con las versiones del video en 2D y 3D.

Mientras conseguimos nuestros lentes, aquí les dejamos el video, esperando que la islandesa realice más trabajos visuales de este tipo.

R.E.M. – Accelerate (2008)

Por Bling

Tomando en cuenta el tiempo que ha transcurrido entre cada disco de R.E.M. en lo que va de este nuevo milenio, tres años entre Reveal (2001) y Around the Sun (2004), y cuatro entre este último y Accelerate (2008), estaríamos hablando de que este es sin duda el último disco del grupo en esta década. Motivo por el cual tendrían que echar mano de algunos elementos para tratar de darle un necesitado cambio a su carrera.

El primer paso fue la remoción de su productor de cabecera, Pat McCarthy quien fuera su guía en las últimas tres grabaciones del conjunto, pero quien finalmente perdiera el rumbo en su ultima colaboración con el disco “Around the Sun”, posiblemente el trabajo de menor nivel en la trayectoria del grupo. Con esta producción se exhibió una gran falta de dirección musical, los sencillos a excepción de “Leaving New York” pasaron prácticamente desapercibidos y las ventas fueron alarmantemente bajas. La crítica y sus fans no perdonaron y finalmente McCarthy dejó de ser una posibilidad para el futuro cercano de la banda.

En la búsqueda de un nuevo talento para producirlos, siguieron el mismo camino que hiciera U2 hace unos años, también en aras de buscar un sonido más fresco y renovado se hicieron de los servicios del reconocido productor Jacknife Lee, quien trabajara previamente con grupos como Snow Patrol, Bloc Party y Kasabian, tres conjuntos muy representativos de la escena musical actual.

La mancuerna de R.E.M. con Jacknife Lee resultó un acierto, ya que el sonido que se logró en Accelerate no obedece a una renovación musical, sino más bien a una composición basada en sus trabajos previos, pero logrando cohesionarlos como hacía años que no se escuchaban.

El resultado es un disco rockero, sin prácticamente nada de fusión folk (sello indiscutible de la banda). Quizás la única canción que conserva esta distinción, sería “Houston”. De ahí en fuera, el grupo suena en ocasiones estridente como en “Monster” (1994), mezclado con la estructura de ritmo ochentero de canciones como “Begin the begin” del disco Life’s Rich Pageant (1986).

En cuanto a la temática de las letras, Stipe vuelve a la crítica social y política, dejando a un lado cualquier intento de balada melosa como lo hicieran con “At My Most Beautiful” en el 98.

Las canciones más destacables son “Hollow Man” “Mr. Richards” “Until The Day Is Done” y por supuesto el primer sencillo “Supernatural Superserious”

Es seguro que Accelerate no pasará a la historia como uno de los mejores discos de R.E.M, pero muy posiblemente sea recordado como el disco que finalmente volvió a cohesionar a la banda después de la dolorosa partida del baterista Bill Berry en octubre de 1997, dándole a su vez una renovada inspiración que el grupo ya necesitaba.